<
Image Caption 17 Image Caption 18 Image Caption 11 Image Caption 12 Image Caption 17 Image Caption 18


Sommaire de ce chapitre


Les débuts de la musique médiévale

Le chant grégorien

Ars Antiqua

Naissance de la polyphonie

L’école de Notre-Dame

Hildegard von Bingen

Troubadours et trouvères

Ars Nova

Philippe de Vitry

Guilaume de Machaut

Les instruments du Moyen-Âge

 


 

 

 

 

Les débuts de la musique médiévale

 

Avant et pendant une grande partie du Moyen-Âge, la musique se transmet principalement oralement de génération en génération.  

Avant 400 à 500 après JC, il n’en existe aucun témoignage exploitable.

Jusqu’au 9e siècle, elle est principalement monodique (à une seule voix), la polyphonie se développant ensuite, principalement à partir du 12e siècle.

 

 La musique du moyen âge commence principalement à l’église qui poursuit la tradition des anciens grecs et des juifs de Jérusalem. On y trouve des psaumes et des hymnes.

L’un des premiers compositeurs, au 4e siècle, est Saint Ambroise (340-397), évêque de Milan, qui a composé des hymnes (8 strophes de 4 vers brefs), et est à l’origine du chant Ambrosien.

 


Chant ambrosien : "Ecce quam bonum et jocundum"

 

Augustin d'Hippone ou saint Augustin (354-430) a quant à lui écrit un traité de la musique.

 

 

 

Le chant Grégorien

 

Au 6e siècle, dans le cadre de la réorganisation et l’harmonisation des rites des églises, le pape Grégoire le grand (540-604) rassembla une sélection de chants destinés à toutes les fêtes de l’année religieuse dans un document appelé antiphonaire, et fonda une école de musique : La Schola Cantorum destinée à former les ecclésiastiques et propager dans toute l’Europe cette nouvelle forme musicale.

Ce chant grégorien est interprété à cappella (sans instruments) uniquement par les hommes (le clergé) dans les églises. Il est chanté en latin, à l’unisson.

Le terme de plain-chant (musique plane) appliqué au chant grégorien met en valeur l’aspect simple, calme et serein de cette musique par opposition aux musiques profanes et instrumentales de l’époque.

Le chant grégorien vécut principalement du 7e au 12e siècle, mais il est encore pratiqué aujourd’hui et sa tradition est en particulier entretenue par les moines de l’abbaye de Solesmes, importants producteurs de disques de cette musique.

 

Voici un extrait de chant grégorien par la Schola Cantorum of Amsterdam Students :

 

 

 

Ars Antiqua

 

L’expression Ars Antiqua désigne la période des 12e et 13e siècles, depuis les débuts du développement de la polyphonie jusqu’à l’avènement de l’Ars Nova.

 

Naissance de la polyphonie

 

La polyphonie a sans doute existé de tous temps, mais elle a été organisée à partir du Moyen-Âge et on peut l’associer à l’apparition des notes carrées au 12e siècle.

 

La notation carrée

Pendant de nombreux siècles, la musique chrétienne s’est transmise uniquement par tradition orale. Puis les neumes apparurent vers le 7e ou le 9e siècle :  ce sont des signes tels que accents, points, traits, placés au-dessus ou à côté des paroles, qui donnent des indications sur l’accentuation et le sens de la mélodie. 

 


Notation neumatique du 9e siècle

 

Au 12e siècle, on assiste à une déformation de l’écriture : la notation carrée remplace progressivement les neumes :

 

 

Au 9e ou au 10e siècle, un moine copiste imagina d’utiliser une ligne de référence représentant un son fixe, le fa, servant de référence aux autres notes, réparties dans l’espace, au-dessus et au-dessous de cette ligne : C’est ainsi que naquit le principe de la portée. Puis on donna la couleur rouge à cette ligne de fa, et on y ajouta une seconde ligne, de couleur jaune, pour l’ut (do), puis une troisième ligne, puis une quatrième ligne.

 

 

C’est seulement à la Renaissance que l’on voit se fixer notre portée définitive de 5 lignes avec la barre de mesure.

 

 

La gamme

 

Vers 1030, le moine Guido d’Arezzo invente la solmisation, système de notation musicale – doublé d’une méthode pédagogique – dans lequel les notes sont chantées sur des syllabes.

Alors que jusque-là on utilisait les premières lettres de l’alphabet pour désigner les notes, on lui attribue, semble-t-il à tort, le procédé mnémotechnique par lequel on les nomme, maintenant dans les pays latins, à partir des syllabes initiales d’un hymne à Saint Jean-Baptiste :

 

UT queant laxis

REsonare fibris

MIra gestorum

FAmuli tuorum

SOLve polluti

LAbii reatum

Sancte Ioannes.

 


L’UT est devenu plus tard DO.

 

 

 

Formalisation de la polyphonie

 

Le 12e siècle voit donc l’organisation et la formalisation de la polyphonie. Les principales formes rencontrées à cette époque sont :

-    L’organum, qui met en valeur le plain-chant (la mélodie) par l’accompagnement d'une ou plusieurs voix.

-    Le déchant, dans lequel la mélodie passe à la voix inférieure alors appelée le ténor, et l’accompagnement en voix supérieure, en mouvement contraire de la mélodie.

-    Le conduit, à deux à quatre voix, destiné à la "conduite" du prêtre vers l'autel.

-    Le motet, à deux, trois ou quatre voix, ayant généralement pour ténor un fragment de plain-chant, les autres voix, librement ornées, étant composées soit sur des textes liturgiques soit sur des poèmes profanes en langue vulgaire.

 

 

 

L’école de Notre-Dame

 

C’est alors que s’édifiait la cathédrale que des musiciens firent de Paris un foyer artistique de renom international. De l’école de Notre-Dame, seuls les noms de Maître Albert de Léonin et de Pérotin furent transmis à la postérité.

 

L’œuvre principale de Léonin est le Magnus Liber Organi composé entre 1160 et 1180. C’était un cycle de chants pour l’année liturgique dont il reste 80 organums à 2 voix.

 

 

En voici un extrait : 

 

Pérotin était le meilleur élève de Léonin à qui il succéda à l’orgue de Notre-Dame, et dont il publia et améliora le Magnus Liber Organi, livre de musique de Notre-Dame. Avec lui apparaît l’écriture à trois et à quatre voix (organum triplum et organum quadruplum), évoluant en mouvements contraires, dont voici un extrait :

 

 

 

Hildegard von Bingen (1098-1179)

 


Hildegard von Bingen représentée sur un vitrail de l'Abbaye Sainte-Hildegarde d'Eibingen.

Hildegard von Bingen est une religieuse bénédictine, femme de lettres et compositrice allemande. Elle a composé plus de 70 chants monodiques liturgiques, hymnes et séquences mélismatiques formant la collection « Symphonia harmoniae celestium revelationum » (Symphonie de l'harmonie des révélations célestes), ainsi qu’un drame liturgique « Ordo virtutum » (Le jeu des vertus), comportant 82 mélodies.

 

 

 

Troubadours et trouvères

 

La musique profane du Moyen-Âge était essentiellement représentée par les troubadours et les trouvères.

 


Guillaume IX : Farai un vers pos mi sonelh

Les troubadours, qui s’exprimaient en langue d’Oc, apparurent dans le sud de la France au début du 12e siècle, et furent suivis par les trouvères, qui s’exprimaient en langue d’Oïl, au nord de la Loire. C’étaient des poètes-musiciens, principalement des seigneurs et des dames de grandes familles (tels par exemple Thibaud de Champagne devenu roi de Navarre), dont les compositions sont très marquées par l’amour courtois en vogue à cette époque. Richard Cœur de Lion lui-même a été qualifié de roi-trouvère.

Guillaume IX d'Aquitaine (1071-1127), 7e comte de Poitiers, qui menait une vie joyeuse au milieu d'une troupe de « compagnons », est le plus ancien troubadour. Il est surnommé depuis le 19e siècle, le roi des troubadours.

 

Adam de la Halle (1235 environ-1285 environ), appelé aussi Adam le bossu, est sans conteste le plus célèbre des trouvères. Il est l’auteur de célèbres compositions telles que Le jeu de la feuillée, et surtout Le jeu de Robin et Marion, que l’on a considéré comme le point de départ de l’opéra-comique français.

En voici quelques extraits :

   

   

   

   

   

 

 

 

Ars Nova

 

Le terme d’Ars Nova désigne la musique du 14e siècle, et tient son nom du titre d’un traité musical écrit par le compositeur et théoricien Philippe de Vitry vers 1320.

Les innovations de l’Ars Nova concernent essentiellement la notation, et le développement de la polyphonie qui en découle par de nouvelles règles de composition et l’apparition du style harmonique (c’est à dire de successions d’accords).

Les principales figures de l’Ars Nova sont Philippe de Vitry pour ses travaux de codification, et Guillaume de Machaut pour ses œuvres musicales.

 

 

 

Philippe de Vitry (1291-1361)

 

Philippe de Vitry, évêque de Meaux, était connu de ses contemporains comme un savant, un poète et un musicien.

On le connait peu comme compositeur mais très bien comme théoricien car il nous a laissé des traités de musique dont le plus important, l’Ars Nova, a donné son nom au mouvement musical de cette époque.

Peu de ses œuvres musicales nous sont parvenues.  On note néanmoins sa participation au Roman de Fauvel, dont la réalisation est due au concours de plusieurs auteurs et compositeurs.

 Le Roman de Fauvel est un pamphlet très provoquant s’attaquant aux rois Philippe IV et Philippe V ainsi qu’à la cour du pape en Avignon. Il raconte les exploits d’un âne fauve, symbole de tromperie et de vilénie.

 

En voici un extrait :

 

 

 

Guillaume de Machaut (1300 environ-1377)

 

Guillaume de Machaut est la grande figure de l’Ars Nova. Il met en pratique de façon magistrale les nouvelles théories codifiées par Philippe de Vitry, dans de nombreuses compositions profanes et sacrées telles que lais, ballades, rondeaux, virelais, motets et surtout la célèbre messe de Notre-Dame.

 

-    Les lais sont des poèmes narratifs très courts, à une ou deux voix, parfois accompagnés par des instruments.

-    Les ballades à 2, 3 ou 4 voix, sont formées de trois strophes égales et d’un couplet plus court appelé envoi.

-    Les rondeaux à 2, 3 ou 4 voix sont des petits poèmes de treize vers avec répétition obligée.

-    Les virelais à une ou deux voix sont soutenus par un instrument de musique (Harpe ou vielle)

-    Les motets sont dans leur nouvelle forme, isorythmique.

 

Voici un extrait d’une des 42 ballades écrites par Guillaume de Machaut :

 

Mais surtout, Guillaume de Machaut invente un nouveau genre musical qui va être développé magnifiquement par les musiciens des siècles suivants, qui est la messe à plusieurs voix. Sa messe de Notre-Dame n’est pas seulement un des chefs-d’œuvre de la musique médiévale, c’est aussi un sommet de l’histoire de la musique.

La messe de Notre Dame a été écrite en 1364, semble-t-il à l’occasion du sacre de Charles V.

Elle comporte 6 parties polyphoniques à 4 voix : Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei, Ite missa est.

D’autres séquences chantées dans le style grégorien complètent la messe.

 

En voici un extrait : Le début du Gloria

 

 


 

Les instruments du Moyen-Âge

 

 

Les instruments du Moyen-Âge, jusqu’au 11e siècle, diffèrent peu des instruments de l’antiquité gréco-romaine, puis se développent du 11e au 15e siècle.

Ils nous sont connus essentiellement par l’iconographie et les sculptures des cathédrales.

La plupart des illustrations qui suivent sont extraites des Cantigas de Santa Maria, magnifique manuscrit richement illustré, représentant la plus grande source iconographique concernant les instruments du Moyen-Âge.

 

Les principaux instruments à cordes rencontrés au Moyen-Âge sont :

-        Les instruments à cordes pincées : la rote, le psaltérion, la harpe, le luth, la guiterne (ou mandore)

-        Les instruments à corde frottées (utilisant un archet) : La vièle, le rebec, la gigue, l’organistrum, la chifonie, la vièle à roue

-        Le tympanon est un instrument à cordes frappées.

 

    

 

            

 

 

On distingue 2 types d’instruments à vent au Moyen-Âge: les instruments avec anche, et sans anche.

Dans les instruments à anche, c’est l’anche, simple ou double, qui oscille et fait vibrer la colonne d’air. On  y trouve les hautbois, cornemuses, chalumeaux et chalémies, cromorne etc…

Parmi  les instruments sans anche, on distingue les instruments à bouche, dans lesquels la colonne d’air est mue grâce à une ouverture circulaire ou longitudinale (flûtes, pipeaux …) et les instruments à embouchure dans lesquels ce sont les lèvres de l’exécutant qui jouent le rôle de l’anche vibrante (trompettes …)

 

    

 

 

Les instruments à percussion au moyen-âge sont nombreux et variés.

On y trouve divers types de tambours, tambours de basque (munis de petites cymbales métalliques), crecelles,  cymbales, triangles, cloches et grelots, guimbardes.

 

     

 

 

 

Pour en savoir plus sur le Moyen-Âge :
Introduction à la musique classique : Le Moyen-Âge

 

 

 

 

A suivre =>

 

 

 



©2022 JP Chorier : Introduction à la musique classique