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Le Moyen-âge (1)
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I   Chant grégorien - Ars Antiqua

II   Ars Nova

III Les instruments du Moyen-Age

 

 

Sommaire de ce chapitre

 

I Introduction

-        Les éléments de la musique

-        Les musiques du moyen-âge

Le chant grégorien

-   Introduction

-        Les modes du chant grégorien

-        Extrait  musical

-        La notation

-        La gamme

Ars Antiqua

-        Le développement de la polyphonie

-        L’école de Notre-Dame

o     Léonin

o     Pérotin

o     La notation rythmique

o     Extraits musicaux

-        Troubadours et trouvères

o      Adam de la Halle

o      Extraits musicaux

 


 

Introduction

 

 

Au cours du moyen-âge, nous allons voir évoluer la musique de la  forme la plus simple à des formes de plus en plus complexes.

 

Les éléments de la musique

 

A titre d’introduction, considérons d’abord de quels éléments est formée la musique.

 

Si nous prenons comme exemple une chanson de variétés, telle que nous en entendons  tous les jours, on y trouve :

 

→ La mélodie formée d’une suite de notes successives : c’est l’air que l’on fredonne sous sa douche  par exemple.

→ Le rythme que l’on marque en tapant des mains ou des pieds, rythme qui peut-être plus ou moins complexe, du rythme à 1 temps que l’on entend souvent dans les discothèques (boum, boum, boum …), aux rythmes les plus complexes que l’on trouvera dans les œuvres de musiciens comme Stravinsky, Xenakis etc …

→ L’harmonie : ce sont dans notre chanson les accords d’accompagnement de la mélodie. Selon l’accord qu’on lui associe, une même note pourra avoir une expression très différente, gaie ou triste …

→ le timbre : C’est en quelque sorte la couleur du son, qui dépend du choix des instruments : Tout l ‘art de l’orchestration est de bien choisir et  bien marier les timbres.

 

Nous allons voir que dans les premières musiques écrites du moyen-âge, on ne trouvait ni rythme, ni harmonie, ni timbres (autres que les voix),  le  plain-chant étant purement mélodique.


Les musiques du moyen-âge

 

Jusqu’au 9ème siècle, la musique est principalement monodique (à une seule voix)  , la polyphonie se développera  ensuite, principalement à partir du 12ème  siècle.

 

La musique du moyen âge commence à l’église qui poursuit la tradition des anciens grecs et des juifs de Jérusalem.

 

On y trouve d’abord successivement :

 

1)  Hymnes et cantiques populaires des premiers chrétiens, accompagnés de flûte et parfois même dansés.

2)  les psaumes, pour chant seul, dont le texte est tiré de la bible

3)  Les psaumes avec répons, dans lequel le chœur des fidèles répond au soliste par une sorte de refrain.

4)  Les psaumes antiphoniques, apparus au 4ème siècle, où 2 chœurs chantent le psaume en alternance.

Ces mélodies liturgiques chrétiennes d’occident chantées en latin, cantiques, hymnes, psalmodies, de tradition orale sont très anciennes : certaines datent des premiers siècles de notre ère.

5)   Le chant  grégorien apparu au 6ème siècle, et qui est encore en vigueur de nos jours.


L’un des premiers compositeurs, au 4ème siècle, est Saint Ambroise, qui conserve 4 des modes grecs, que l’on appellera plus tard : modes authentiques.



Chant ambrosien : "Ecce quam bonum et jocundum"

Saint Augustin, connu pour ses écrits théologiques,  compose également un traité de musique.

A partir du 12ème  siècle,  on assiste au développement de la polyphonie, et à la naissance de nouvelles écoles musicales regroupées sous la dénomination d’ Ars Antiqua.

 

Puis la musique évolue au 14ème  siècle avec l’Ars Nova, qui  introduit des évolutions importantes au niveau de la notation et du style.

 

 

 


 

Le chant Grégorien

 

C’est le pape Grégoire le grand (540-604)  qui, dans le cadre de la réorganisation et l’harmonisation des rites des églises, impose le chant grégorien  en diffusant un document appelé antiphonaire rassemblant une sélection de chants destinés à toutes les fêtes de l’année religieuse.

 

Grégoire le grand créa également une école appelée la Schola Cantorum, destinée à former les ecclésiastiques et propager dans toute l’Europe cette nouvelle forme musicale.

 

Le terme de plain-chant appliqué au chant grégorien met en valeur l’aspect simple, calme et serein de cette musique par opposition aux musiques profanes et instrumentales de l’époque.

 

Le chant grégorien vécut principalement du 7ème au 12ème siècle, mais il est encore pratiqué aujourd’hui et sa tradition est en particulier  entretenue par les moines de l’ abbaye de Solesmes,

importants producteurs de disques de cette musique.

 

Le chant grégorien est avant tout un chant de prière.

 

Les chants communs à toutes les messes sont :

-  Le Kyrie (l’une des plus anciennes formes de la liturgie)

-  Le Gloria

-  Le Credo

-  Le Sanctus

-  L’Agnus Dei

 

 

 

 

Les modes du chant grégorien

 

Le chant grégorien utilise 8 modes, appelés ecclésiastiques, comprenant 4 modes dits authentiques ou authentes et 4 modes dérivés dits plagaux, auxquels on a donné des noms de modes grecs bien qu’ils n’aient pas de rapport avec ces derniers.

 

Les 4 modes, authentes sont :

-  Protus ou mode de ré, dit dorien

-  Deuterus ou  mode de mi, dit phrygien

-  Tritus ou mode de fa, dit lydien

-  Tetrardus ou mode de sol, dit mixolydien.

 

Ces 4 modes sont obtenus à partir de la gamme de do majeur, en partant d’une autre note fondamentale, modifiant ainsi la suite des intervalles par rapport à cette fondamentale, comme le montre ce tableau :

 

Les modes plagaux : Hypodorien, Hypophrygien, Hypolydien et Hypomixolydien  qui leur sont associés, s’obtiennent  en déplaçant vers le grave le tétracorde supérieur du mode authente.

Par exemple :

Protus authente (mode dorien) :                    ré mi fa sol la si do ré (ambitus de ré à ré)

Protus  plagal (mode hypodorien) : la si do ré mi fa sol la  (ambitus de la à la)

 

On obtient ainsi les 8 modes ecclésiastiques du chant grégorien :

 

protus authente

1e mode

 

 

 

mi

fa

sol

la

si

do

 

 

 

protus plagal

2e mode

la

si

do

mi

fa

sol

la

 

 

 

 

 

 

deutérus authente

3e mode

 

 

 

 

mi

fa

sol

la

si

do

mi

 

 

deutérus plagal

4e mode

 

si

do

mi

fa

sol

la

si

 

 

 

 

 

tritus authente

5e mode

 

 

 

 

 

fa

sol

la

si

do

mi

fa

 

tritus plagal

6e mode

 

 

do

mi

fa

sol

la

si

do

 

 

 

 

tétrardus authente

7e mode

 

 

 

 

 

 

sol

la

si

do

mi

fa

sol

tétrardus plagal

8e mode

 

 

 

mi

fa

sol

la

si

do

 

 

 

 

 

Chapiteaux de l’abbatiale

de Cluny III

 

Les chapiteaux de l’abbatiale de Cluny III (Saône et Loire) ont sans doute été sculptés au début des années 1090. Deux de ces chapiteaux représentent les 8 modes musicaux grégoriens et portent sur chacune de leurs faces une figure sculptée et une inscription. Ici, le troisième mode est représenté par un homme assis, touchant les cordes d’un psaltérion ou d’une cithare posée sur son genou. L’inscription  Tertius impigit Christumque resurgere pingit évoque la résurrection : « le troisième met en avant et peint la résurrection du Christ ». A Cluny, la musique était considérée en effet comme un élément favorisant l’élévation des fidèles. Chapiteau conservé au Farinier de l’abbaye.

 

 

 

 

Extrait musical

 

La séquence musicale suivante est extraite du disque  « Gregorian Chant » de la schola cantorum of Amsterdam students.

.


 

 

 

 

La notation 

 

Pendant de nombreux siècles, la musique chrétienne s’est transmise uniquement par tradition orale. Puis  les neumes apparurent vers le 7ème ou le 9ème siècle :  ce sont des signes tels que accents, points, traits, placés au-dessus ou à côté des paroles, qui donnent des indications sur l’accentuation et le sens de la mélodie. 





 

 

Au 12e siècle, on assiste à une déformation de l’écriture : la notation carrée remplace progressivement les neumes

.

Au 9ème  ou au 10ème siècle, un moine copiste imagina d’utiliser une ligne de référence représentant un son fixe, le fa, servant de référence aux autres notes, réparties dans l’espace, au-dessus et au dessous de cette ligne : C’est ainsi que naquit le principe de la portée.

 

Puis on donna la couleur rouge à cette ligne de fa, et  on y ajouta une seconde ligne, de couleur jaune, pour l’ut (do).

On ajouta ensuite une troisième ligne , puis une quatrième ligne, au 14ème siècle (peut-être dès le  11ème  siècle en Italie).

 

C’est seulement au 16ème siècle (mais peut-être dès le  13ème siècle en Espagne) que l’on voit apparaître notre portée définitive de 5 lignes avec la barre de mesure.

 

La gamme 

 

Vers 1030, le moine Guido d’Arezzo invente la solmisation, système de notation musicale – doublé d’une méthode pédagogique – dans lequel les notes sont chantées sur des syllabes.

Alors que jusque là on utilisait les premières lettres de l’alphabet pour désigner les notes,  on lui attribue, semble-t-il à tort,  le procédé mnémotechnique par lequel on les nomme, maintenant dans les pays latins, à partir des syllabes initiales d’un hymne à Saint Jean-Baptiste :

UT queant laxis
REsonare fibris
MIra gestorum
FAmuli tuorum
SOLve polluti
LAbii reatum
Sancte Ioannes.

L’UT est devenu plus tard DO.


La notation anglo-saxonne

Les pays anglo-saxons ont conservé la notation des notes de la gamme par des lettres. Cette notation a pour origine celle pratiquée en Grèce au siècle de Pythagore (6ème siècle avant JC), où l’on utilisait les 15 premières lettres de l’alphabet pour désigner les notes sur 2 octaves. Cette méthode a été reprise au 9ème siècle de notre ère, en n’utilisant alors que les 7 premières lettres de l’alphabet, de A à G.
La correspondance, de nos jours, s’établit comme suit :

la si do mi fa sol
A B C D E F G

Dans les pays de langue allemande, le si est désigné par la lettre H, B désignant le si bémol. Le mot bémol vient d’ailleurs de l’allemand « B moll » qui signifie B « mou ».

Pour mémoire :

 

Français

Anglais

Allemand

#
dièse
sharp
+is

(ex : Ais, Dis)

bémol
flat
+s ou +es

(ex : As, Des)


(Voir aussi la fiche compositeur consacrée au chant grégorien)

 

 

 

Ars Antiqua

 

L’expression Ars Antiqua désigne la  période des 12ème  et 13ème siècles, depuis les débuts du développement de la  polyphonie jusqu’à l’avènement de l’ Ars Nova

 

L’ars Antiqua a vu se développer la polyphonie  avec des mouvements de voix parallèles (organum) ou contraires (déchant),  la notation avec l’apparition de la notation mesurée.

 

Le développement de la polyphonie

 

On ne peut pas donner de date de naissance à la polyphonie, car celle-ci a sans doute existé de tous temps. Mais  elle a été organisée à partir du moyen-âge et on peut l’associer à l’apparition des notes carrées au 12ème  siècle.

 

Le 12ème siècle voit donc l’organisation et la formalisation de la polyphonie. Les principales formes rencontrées à cette époque sont : l’ organum,  le déchant, le motet,  le conduit.

 

Les consonances parfaites admises alors en France sont  l’unisson, l’octave, la quarte, la quinte.



L’organum 

Dans l’organum, un second chanteur (ou groupe choral ou instrument), double la mélodie liturgique de la voix supérieure, « note contre note » partant de l’unisson jusqu’à la distance de quarte ou de quinte inférieure, pour revenir ensuite à l’unisson.


C’est une forme primitive du contre-point, dont l’origine du nom vient de « point contre point », car les notes étaient alors représentées par des points.

Le gymel, d’origine nordique, est un organum dans lequel la mélodie d’accompagnement suit le chant à intervalles de tierce (que les français trouvaient alors non consonnants)..

Le faux-bourdon est un gymel où l’accompagnement est élevé à l’octave supérieur, c’est à dire à intervalle de sixte par rapport au chant. Il pouvait s’y ajouter une troisième voix intermédiare à intervalle de tierce.

 

 

Le déchant 

Dans le déchant, l’accompagnement (voix organale) devient la voix supérieure plus importante, soutenue par la mélodie liturgique (cantus firmus) qui passe à la voix inférieure et est alors appelée le ténor (de « teneur », qui soutient la voix organale supérieure). Les 2 voix peuvent de plus évoluer en mouvement contraire.

 

Le motet 

Dans le motet (du latin motetus = petit texte) on a placé des paroles sur les vocalises de l’organum.

Au 12ème siècle, le motet se compose  de :

-        un ténor chantant un texte liturgique qui devient secondaire et dont le thème peut-être confié à un instrument.

-        une ligne mèlodique placée au-dessus du ténor et consacrée aux « mots » d’un poème modulé

-        Il peut y avoir une 3ème partie appelée triplum avec des paroles différentes, qui se superpose aux 2 premières.

-        Auquel peut s’ajouter un quadruplum, avec encore un texte différent.

Un motet peut donc comporter jusqu’à 4 mélodies indépendantes et 4 textes différents, joués simultanément.

Exemple de  motet : le jeu de Robin et Marion d’Adam de la Halle.



Le conduit 

C’est un motet à 2, 3 ou 4 voix dans lequel le ténor n’est plus astreint à un texte liturgique

 






L’école de Notre-Dame

C’est alors que s’édifiait la cathédrale que des musiciens firent de Paris un foyer artistique de renom international. De l’école de Notre-Dame, seuls les noms de Maître Albert de Léonin et de Pérotin furent transmis à la postérité.

 

Maître Léonin (2e moitié du 12e s.)

C’est le premier musicien connu de l’école de Notre-Dame de Paris (Ars antiqua)). Son activité se situe vers 1180, époque de l’ouverture au culte de la cathédrale de Paris.

L’œuvre principale de Léonin est le  Magnus Liber Organi composé entre 1160 et 1180. C’était un cycle de chants pour l’année liturgique dont il reste 80 organa à 2 voix.

L’organum de Léonin est un organum à vocalises (ou organum  fleuri) à deux voix (organum duplum) : Une voix grave (appelée ténor) chante, en notes longues,   le  texte liturgique (appelé antiphonaire). Au-dessus, la voix organale déroule des mélismes (ornementations vocales)  qui peuvent être improvisés.

 

Pérotin  (12e - 13e  siècle)

Le nom de Pérotin reste attaché à l’essor de la polyphonie. C’était le meilleur élève de Léonin à qui il succéda à l’orgue de Notre-Dame, et dont il publia et améliora le  Magnus Liber Organi,  livre de musique de Notre-Dame.

Avant Pérotin, l’écriture polyphonique était à deux voix (déchant et organum duplum). Avec Pérotin apparaît l’écriture à trois et à quatre voix (organum triplum et organum quadruplum) , évoluant en mouvements contraires.

Pérotin s’affranchit des modes ecclésiastiques en ré-introduisant les échelles diatoniques d’UT et de FA, d’où allait sortir la notion de mode majeur .


 

La notation rythmique

  Le développement de la musique polyphonique nécessite de définir précisément la  durée des notes et va amener la notation mesurée. Ceci était en  effet indispensable pour chanter simultanément des parties différentes.

C’est Pérotin qui introduisit la notation de la durée proportionnelle des notes (notation mesurée). Ce travail fut poursuivi par ses élèves qui divisèrent l’unité de mesure (maxime)  en longa,  brevis et semi-brevis.

 

1 maxime        =          3 longues

1 longue          =          3 brèves

1 brève           =          3 semi-brèves

Ce nouveau système de notation permet de préciser les rythmes. On définit alors un système de 6 modes rythmiques, tous établis sur une base ternaire,  selon la division des valeurs de notes alors en usage :

 



Le rythme binaire  n’apparaitra que plus tard, avec l’ Ars Nova

 



Extraits musicaux

Les séquences musicales suivantes sont extraites du disque « Mystery of Notre-Dame»  de l’ensemble Orlando Consort  

LEONIN :

.

.

PEROTIN :



(Voir aussi la fiche compositeur consacrée à l'Ecolde de Notre-Dame)

 

 

 

Troubadours et trouvères

La musique profane du moyen-âge était essentiellement représentée par les troubadours et les trouvères.

Les troubadours, qui s’exprimaient en langue d’Oc,  apparurent dans le sud de la France au début du 12ème siècle, et furent suivis par les trouvères , qui s’exprimaient en langue d’Oïl, au nord de la Loire. C’étaient des poètes-musiciens,  principalement des seigneurs et des dames de grandes familles  (tels par exemple Thibaud de Champagne devenu roi de Navarre) , dont les compositions sont très marquées par l’amour courtois en vogue à cette époque. Richard Cœur de Lion lui-même a été qualifié de roi-trouvère.

Les troubadours et trouvères ont grandement participé à la création de la notation mesurée. En effet, leurs chants étant composés en vers, ils doivent structurer leurs mélodies en conséquence, contrairement au chant grégorien dont le rythme non mesuré est adapté à la prose.

 

Adam de la Halle  (1235 environ-1285 environ)

Adam de la Halle, appelé aussi Adam le bossu,  est sans conteste le plus célèbre des trouvères. Il est l’auteur de célèbres compositions telles que  le jeu de la feuillée,  et surtout le jeu de Robin et Marion , que l’on a considèré comme le point de départ de l’opéra comique français.

 

Le jeu de Robin et Marion (extraits musicaux)  

 

Le  jeu de Robin et Marion   comprend dix personnages : Robin, Marion, Un chevalier, six bergers et une bergère.

On y raconte la tentative de séduction d’un chevalier auprès de Marion,  qui le repousse et l’apprend à Robin. Celui-ci, craignant le retour du chevalier, fait appel à des bergers qui s’arment de bâtons.  Le chevalier revient néanmoins et enlève Marion, qui finit par s’en  délivrer.

Tout cela se poursuit par les jeux et les danses de Robin et de Marion et des autres villageois. et par le mariage de Robin avec Marion.

 

Les séquences musicales suivantes sont extraites du disque « Le jeu de Robin et Marion »  de l’ensemble micrologus

   

   

   

   

   


 


(Voir aussi la fiche compositeur consacrée à Adam de la Halle)

 

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