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I    Introduction


Ecoles et compositeurs

 

La musique spectrale

 

 

Sommaire de ce chapitre

 

 

 

 

Introduction

 

Le terme de « musique spectrale » a été inventé par Hugues Dufourt en 1979.

La musique spectrale est principalement basée sur la nature du timbre musical et la décomposition spectrale du son musical, à l'origine de la perception de ce timbre.

On y associe principalement les techniques de composition des français Tristan Murail et Gérard Grisey qui utilisent les techniques développées par l’électro-acoustique ainsi que l’informatique pour l’analyse et la synthèse du timbre.

Pour schématiser, on peut dire que les compositeurs de musique spectrale sont les musiciens du son et non de la note.

 

Le spectre sonore

Un son peut être décrit selon trois grandeurs : sa durée exprimée en secondes (s), sa hauteur (la fréquence) exprimée en hertz (Hz) et son amplitude (niveau sonore) exprimée en décibels (dB).

Le son est le résultat d’une vibration dont on mesure la fréquence exprimée en hertz, qui indique combien de vibrations se produisent par seconde. Plus un son est aigu, plus sa fréquence est élevée. Si une corde vibre 440 fois par seconde, sa fréquence de vibration est de 440 Hz et la note produite est un la3 (qui est la note du diapason).

Si deux instruments différents jouent un la3, la hauteur des deux notes perçues est la même (il s’agit de la note fondamentale) mais leur sonorité est différente. Chaque instrument a un timbre propre qui résulte d’une multitude de mouvements vibratoires simultanés qui se produisent à des fréquences et des amplitudes différentes. Ces mouvements vibratoires ne vont pas être perçus de manière isolée, mais vont fusionner.

Sonagramme

Cependant, ceux dont l’amplitude est la plus forte vont être entendus plus distinctement et faire émerger une hauteur de note qui est la note « fondamentale ». Les différentes fréquences ainsi produites sont appelées « partiels ».

Dans le cas des instruments à cordes ou à vent, pour lesquels la note fondamentale correspond à la fréquence la plus basse, les partiels sont appelés « harmoniques ». L’ensemble des partiels et harmoniques d’un son définissent son spectre.

Le spectre d’un son peut être représenté par un sonagramme, sur lequel la fréquence (en hertz) est inscrite sur l’axe vertical, et le temps (en seconde) sur l’axe horizontal. Chaque partiel est représenté par un trait horizontal et son intensité indiquée soit par le degré de noirceur du trait, soit par sa couleur.

 

On peut considérer que certaines œuvres de György Ligeti (Atmosphères),  de Karlheinz Stockhausen (Stimmung), de Iannis Xenakis (Metastasis) ou de Jean-Claude Risset (Mutations) préfigurent la musique spectrale par leur ambivalence entre harmonie et timbre.

 

La musique spectrale est principalement représentée par les créateurs en 1973 de l’ensemble « L’itinéraire » : Gérard Grisey, Tristan Murail, Michaël Lévinas, Hugues Dufourt, Roger Tessier, qui seront suivis par une deuxième génération de compositeurs spectraux tels que Kaija Saariaho (1952-), Philippe Hurel (1955- ), Marc-André Dalbavie (1961­) …

Beaucoup d’autres compositeurs contemporains ont par ailleurs été influencés par la musique spectrale.

 

Opposants déclarés au post-sérialisme alors incarné par Pierre Boulez, les compositeurs spectraux ont développé une grande partie de leurs œuvres dans les studios de l’IRCAM, institution fondée paradoxalement, par ce même Boulez.

 

 

 

Les précurseurs

 

Parmi les précurseurs de la musique spectrale, on peut citer Giacinto Scelsi (1905-1988) et Horaţiu Rădulescu (1942-2008).

 

Giacinto Scelsi (1905-1988)

 

Giacinto Scelsi est né le 8 janvier 1905 à La Spezia en Italie et mort le 9 août 1988 à Rome.

Dans les années 1930, il compose de la musique dodécaphonique, puis traverse au cours des années 1940 une grave crise spirituelle de laquelle il sort, au début des années 1950. Dès lors, il renouvelle sa technique de composition et travaille alors sur la texture du son et l’utilisation de micro-intervalles, notamment les quarts de ton.

Cette nouvelle conception de la musique et du son prend sa forme la plus aboutie avec les « Quattro pezzi su una nota sola » (1959), quatre pièces fondées sur une unique note jouée par un orchestre de chambre, se déclinant sur des temps et des attaques variés.

Ses voyages en orient, où il découvre la spiritualité, inspireront des œuvres telles que « Aiôn , quatre épisodes de la vie de Brahma » (1961) ou « Konx-Om-Pax » (1969) élaboré autour du mystique son « Om ».

Parmi ses principales œuvres citons encore son quatrième quatuor (1964), « Anahit » (1965), poème lyrique dédié à Vénus, et Uaxuctum (1966), d’après le nom d’une cité Maya légendaire détruite par les mayas eux-mêmes pour des raisons religieuses.

 

L’œuvre et la pensée musicale de Scelsi ont eu une grande influence sur les musiciens fondateurs de « l'Itinéraire » : Tristan Murail, Gérard Grisey, Michaël Levinas, qu’il a pu rencontrer lors de leur passage à la Villa Médicis au début des années 1970. Ces derniers mettront à l’honneur ses œuvres, peu connues et peu jouées jusqu’alors.

 

On trouvera une analyse et le catalogue des œuvres de Scelsi sur Ressources-IRCAM, ainsi qu’un article très complet sur France Musique.

 

 

 

Horaţiu Rădulescu

 

Horaţiu Rădulescu, compositeur roumain nationalisé français, est né le 7 janvier 1942 à Bucarest et mort à Paris le 25 septembre 2008.

Après avoir obtenu son diplôme de composition au Conservatoire de Bucarest en 1969, Rădulescu quitte la Roumanie pour l’ouest et s’installe à Paris où il devient citoyen français en 1974.

A partir de 1969, Horatiu Rădulescu établit les fondements de la technique spectrale de composition avec son Credo op.10, pour neuf violoncelles dans lequel un plasma sonore de micro musiques se déploie pendant presqu’une heure sur une échelle à intervalles inégaux (scordatura spectrale), correspondant aux 45 premiers harmoniques théoriques de la note DO0.

 

La scordatura est une manière d'accorder les instruments à cordes qui s'écarte de l'accord usuel.
La scordatura spectrale est une échelle d'intervalles inégaux correspondant aux séries d'harmoniques.

 

Au début des années 1970, il suit les cours donnés par Cage, Ligeti, Stockhausen et Xenakis aux cours d'été de Darmstadt, ainsi que par Ferrari et Kagel à Cologne.

En 1975, il expose ses conceptions dans son livre « Sound Plasma : Music Of The Future Sign ».

De 1979 à 1981, il étudie la composition assistée par ordinateur et la psychoacoustique à l' IRCAM.

Le sound icon est une invention d’Horaţiu Rădulescu : C’est un piano couché sur le côté, joué directement sur les cordes.

De 1985 à 1988, il a pour élève Éric Tanguy.

Beaucoup de ses dernières œuvres tirent leur inspiration du Tao-te-King de Lao Tseu : les titres de ses sonates pour piano n° 2 à 6, et de ses quatuors à cordes n°5 et 6, proviennent de cette source. Son concerto pour piano « The Quest » (1996) et d'autres œuvres plus récentes utilisent des mélodies folkloriques de sa Roumanie natale, en les intégrant à ses techniques spectrales.

 

Autres œuvres :

Iubiri, Opus 43 (1980/81) pour 16 instruments.

Astray Op. 50 (1984) pour double duo : sound icon (piano) et saxophones.

Intimate Rituals (1986)

Sonate pour piano n°2 op.82 (1991) : « Being and Non-being Create Each Other »

 

 

 

Ensemble « L’Itinéraire ».

 

L’ensemble « L’Itinéraire » a été fondé en 1973 par Roger Tessier, Tristan Murail, Gérard Grisey, Michaël Lévinas et Hugues Dufourt. Encouragé par Olivier Messiaen, l’ensemble propose de promouvoir la musique de jeunes compositeurs résolument tournés vers l'avenir.

Michael Levinas définit ainsi l’objectif du groupe : « Notre utopie était de composer des œuvres instrumentales ou mixtes basées sur l’exploration des propriétés acoustiques des sons et de concevoir des formes générées par leurs structures internes ».

 

 

 

Gérard Grisey (1946-1998)

 

Gérard Grisey est l'un des principaux instigateurs de la révolution spectrale qui s'est opérée en France au début des années 1970, et qui a bouleversé l'histoire de la musique de la seconde moitié du 20ème siècle. C'est en s'inspirant de la structuration physique des sons et des mécanismes de la perception auditive qu'il pose les fondements de la musique dite « spectrale ».

 

Gérard Grisey est né à Belfort le 17 juin 1946.

Tout en suivant les cours de composition d’Olivier Messiaen au conservatoire de Paris de 1968 à 1972, il étudie avec Henri Dutilleux à l’École normale de musique en 1968 et s’initie en 1969 aux techniques de l’électroacoustique avec Jean-Étienne Marie.

En 1972, il assiste aux séminaires de Karlheinz Stockhausen, György Ligeti et Iannis Xenakis à Darmstadt.

Il est pensionnaire de la villa Médicis à Rome de 1972 à 1974, où il rencontre Giacinto Scelsi.

En 1973, il participe à la création de l'ensemble « L'Itinéraire ».

Sa musique sera fortement influencée par la musique de Giacinto Scelci, et, en ce qui concerne son approche scientifique du phénomène sonore, par les cours d’acoustique d’Émile Leipp qu’il suit à la faculté des sciences de Paris en 1974-1975.

En 1980, il est stagiaire à l'IRCAM.

De 1982 à 1986, il enseigne à l'université de Californie à Berkeley, puis, de 1986 à 1998, il est professeur de composition au conservatoire de musique de Paris où l’on compte parmi ses élèves Magnus Lindberg et Éric Tanguy.

Il a tenu par ailleurs de nombreux séminaires de composition musicale à Darmstadt, à Fribourg, à l'IRCAM, à la Scuola Civica de Milan ainsi que dans diverses universités américaines.

Gérard Grisey meurt à Paris le 11 novembre 1998 d’une rupture d’anévrisme.

 

Principales œuvres

 

 

Les Espaces acoustiques (1974-1985) comprenant 6 pièces :

Prologue (1976), Périodes (1974), Partiels (1975), Modulations (1977), Transitoires (1981) et Épilogue (1985).

Tempus ex machina, pour six percussionnistes (1979)

Talea pour violon, violoncelle, flûte, clarinette et piano (1986)

Vortex Temporum pour piano et cinq instruments (1996)

Quatre chants pour franchir le seuil (1998) pour voix de soprano et quinze instruments

 

 

Autres œuvres :

Jour contre-jour, pour orgue électronique, treize musiciens et bande magnétique (1978)

Les Chants de l'amour, pour douze voix mixtes et bande magnétique (1984)

Le Temps et l'écume, pour quatre percussionnistes, deux synthétiseurs et orchestre de chambre (1989)

Le Noir de l'étoile, pour six percussions, bande magnétique et retransmission de signaux astronomiques (1990)

L'Icône paradoxale, pour deux voix de femme et grand orchestre divisé en deux groupes (1994)

 

On trouvera une analyse de l’œuvre de Gérard Grisey sur Ressources-IRCAM.

 

 

 

Tristan Murail (1947-)

Tristan Murail est avec Gérard Grisey, l'un des principaux fondateurs et théoriciens de la musique spectrale.

 

Tristan Murail est né le 11 mars 1947 au Havre.

En 1967, il entre au Conservatoire de musique de Paris dans la classe d'Olivier Messiaen et y obtient un premier prix de composition en 1971. La même année, il reçoit le Prix de Rome et passe deux ans à la Villa Médicis, où il rencontre Giacinto Scelsi.

En 1973, il fonde, avec Michaël Lévinas et Roger Tessier, le collectif de musiciens « L’Itinéraire », qui a pour but l’expérimentation et la recherche dans le domaine de la composition assistée par ordinateur.

Après avoir participé à un stage d’informatique musicale à l’IRCAM en 1980, il commence à utiliser l’informatique pour approfondir sa

connaissance des phénomènes acoustiques, et compose, en 1982, sa première œuvre superposant sons instrumentaux et sons de synthèse, « Désintégrations ».

De 1991 à 1997, il enseigne la composition à l’IRCAM.

De 1997 à 2010, il enseigne la composition à l'Université Columbia à New York.

 

Parmi les récompenses de Tristan Murail figurent le Prix de Rome (1971), le Grand Prix du disque (1990) et le Grand prix du Président de la République de l'Académie Charles Cros (1992).

 

 

Principales œuvres

 

 

Mémoire / Érosion (1976) pour cor et 9 instruments

Les courants de l’espace (1979) pour ondes Martenot, synthétiseur et petit orchestre.

Gondwana (1980) pour orchestre.

Désintégrations (1982) pour 17 instruments et bande magnétique

L'Esprit des dunes, (1994) pour 11 instruments et sons de synthèse.

Winter Fragments (2000) pour 5 instrumentistes et sons de synthèse

Légendes urbaines (2006) pour grand ensemble

 

 

Autres œuvres :

Les territoires de l’oubli (1977) pour piano.

Treize Couleurs du soleil couchant, (1978) pour 5 instruments et dispositif électroacoustique ad libitum

Ethers (1978) pour six instruments,

Sillages, (1985) pour orchestre.

Time and Again (1985) pour orchestre.

Allégories (1990) pour six instruments et dispositif de synthèse

Serendib (1992) pour grand ensemble

Le Partage des eaux (1995) pour grand orchestre

Bois flotté (1996) pour 5 instruments et sons de synthèse   

Terre d'ombre (2004) pour grand orchestre et sons électroniques

La Chambre des cartes (2011) pour ensemble

 

On trouvera une analyse de l’œuvre de Tristan Murail sur Ressources-IRCAM.

 

 

 

Michaël Levinas (1949-)

 

Michaël Levinas est né à Paris le 18 avril 1949.

Il étudie au Conservatoire de musique de Paris avec Yvonne Loriod et Olivier Messiaen.

Après avoir effectué des stages au GRM et suivi des cours à Darmstadt avec Xenakis, Stockhausen, Ligeti, il co-fonde en 1974, l'ensemble « L'Itinéraire » avec Tristan Murail et Roger Tessier, qu’il dirigera de 1985 à 2003.

De 1975 à 1977, il est pensionnaire à la Villa Médicis à Rome, où il fait la connaissance du peintre Balthus et compose « Ouverture pour une fête étrange » pour les jardins de la Villa.

En 1986, il est nommé professeur au Conservatoire de Musique de Paris.

Pianiste, il mène en parallèle une carrière de concertiste et réalise de nombreux enregistrements dans un répertoire qui s’étend de J.S. Bach à Pierre Boulez.

Il est élu à l'Académie des beaux-arts le 18 mars 2009

En 2017, il fonde le « Stimmung Trio » avec Christophe Giovaninetti (violoniste) et Emmanuelle Bertrand (violoncelliste).

Michael Levinas s’est affirmé comme compositeur d'opéras et a reçu des commandes de scènes européennes importantes.

 

Principales œuvres

 

 

Arsis et Thésis (1971) pour flûte basse en ut sonorisée

Appels (1974) pour 11 instrumentistes

Voix dans un vaisseau d'airain (1977) pour voix, flûte, cor, piano et bande magnétique

Ouverture pour une fête étrange (1979) pour deux orchestres, bande magnétique et dispositif électronique

Concerto pour un piano espace n°2 (1980)

Les rires du Gilles (1981) pour 5 instrumentistes et bande magnétique

Voûtes (1988) pour 6 percussionnistes

Rebonds (1993) pour ensemble

 

Opéras :

La Conférence des oiseaux (1985), spectacle musical

La Métamorphose (2010) d'après le récit de Kafka.

Le Petit Prince (2015) d'après Antoine de Saint-Exupéry

 

 

 

 

 

On trouvera une analyse de l’œuvre de Michaël Levinas sur Ressources-IRCAM

 

 

 

Hugues Dufourt (1943-)

 

Hugues Dufourt, compositeur et philosophe, est né à Lyon le 28 septembre 1943.

Il suit une formation musicale au conservatoire de Genève, et étudie en parallèle la philosophie dont il devient agrégé en 1967.

Il est chargé de recherche au CNRS de 1973 à 1985, puis directeur de recherche de 1985 à 2009.

Membre de l’Ensemble « L’Itinéraire », il en devient l’un des responsables de 1976 à 1981.

Il fonde en 1977 le Collectif de Recherche Instrumentale et de Synthèse Sonore (CRISS) avec Alain Bancquart et Tristan Murail.

La même année, il fait partie de la commission qui est à l’origine de la création du Centre de Documentation de la Musique Contemporaine (CDMC).

En 1982, il crée le centre d’information et de documentation « Recherche Musicale » en association avec l’École Normale Supérieure et l’IRCAM, centre qu'il dirige jusqu'en 1995.

En 1989, il crée un doctorat de « Musique et Musicologie du XXe siècle », toujours avec le concours de l’ENS et de l’IRCAM.

Hugues Dufourt a contribué à l’essor et à la définition même de l’École spectrale. C’est d’ailleurs lui qui crée en 1970 le terme de « musique spectrale ».

Sa musique s’inspire beaucoup des grands peintres de toutes les époques. (« La Fontaine de cuivre » d’après Chardin, « Lucifer » d’après Pollock, « Les continents » d’après Tiepolo, « Les Chasseurs dans la neige », d’après Brueghel …)

Parmi les récompenses d’Hugues Dufourt figurent le Grand Prix de l'Académie Charles Cros 1980, le Prix des compositeurs de la SACEM en 1994 et le Prix du Président de la République pour l’ensemble de son œuvre, décerné par l’Académie Charles Cros en 2000.

 

Principales œuvres

 

 

Erewhon, (1976) pour six percussionnistes

Saturne (1979) pour vingt-deux instrumentistes

Surgir (1984) pour orchestre

La Maison du Sourd  (1999) pour flûte soliste et orchestre

Lucifer d'après Pollock (2000) pour orchestre

Le cyprès blanc (2004) pour alto soliste et grand orchestre

Les continents d’après Tiepolo :

L’Afrique (2005) pour piano et ensemble

L’Asie (2009) pour ensemble

Voyage par-delà les fleuves et les monts (2010) pour orchestre

Burning Bright (2014) pour six percussions

 

 

On trouvera une analyse de l’œuvre d’Hugues Dufourt sur Ressources-IRCAM

 

 

 

Roger Tessier (1939-)

 

Roger Tessier est né le 14 janvier 1939 à Nantes.

Violoncelliste de formation, il étudie aux conservatoires de Nantes, Saint-Brieuc, puis au Conservatoire de Paris dans la classe d’Olivier Messiaen.

En 1971, il rencontre Tristan Murail, avec qui il cofonde l’ensemble « L’Itinéraire ».

Dans les années 1980, il est responsable de la collection pédagogique des éditions Salabert.

En 1981, il est secrétaire général de la société internationale de Musique Contemporaine.

En 1984, il participe aux journées de Darmstadt.

La musique de Roger Tessier mêle instruments traditionnels et lutherie électronique, séquences énergiques et méditatives, références aux arts visuels et à la littérature.

 

Quelques œuvres de Roger Tessier :

3 esquisses (1962) pour orchestre

Froissures (2010) pour flûte et guitare

 

On trouvera une biographie et le catalogue des œuvres de Roger Tessier sur le site du compositeur.

 

 

 

La deuxième génération des compositeurs de musique spectrale

 

La génération suivante de compositeurs « spectraux », née dans les années 1950-1960 tels Kaija Saariaho, Philippe Hurel, Marc-André Dalbavie ..., fréquentent pour la plupart l’IRCAM dans les années 1980. Ils intègrent ainsi dans leur musique les progrès de l’informatique musicale en ce qui concerne l’analyse et la synthèse du son et la connaissance psycho-acoustique.

 

 

 

Kaija Saariaho (1952-)

 

Kaija Saariaho, compositrice finlandaise née Kaija Anneli Laakkonen, est née le 14 octobre 1952 à Helsinki.

Après avoir étudié plusieurs instruments, et les arts visuels à l'académie des beaux-arts d'Helsinki, elle entre en 1976 à l'Académie Sibelius de Helsinki.

En 1977, elle fonde avec entre autres Magnus Lindberg et Esa-Pekka Salonen, le groupe « Korvat auki » (oreilles ouvertes en finnois) en vue de promouvoir la création musicale contemporaine.

En 1980, elle se rend à Darmstadt où elle découvre l'école spectrale française et la musique de Tristan Murail et Gérard Grisey.

Durant l’année 1982, elle se forme à l’informatique musicale à l’IRCAM. L'informatique va désormais jouer un rôle fondamental dans sa technique de composition. Elle travaille également dans les studios d'Helsinki, de Stockholm et du GRM à Paris, ainsi qu'au studio de la fondation Strobel à Freiburg.

Elle vit depuis 1982 à Paris, tout en enseignant successivement à San Diego et Helsinki.

Après avoir été nommée « Chevalier des Arts et des Lettres » en 1997 et « Chevalier de l'Ordre national du Mérite » en 2006, Kaija Saariaho a reçu la distinction « Musicien de l'année 2008 » en tant que « compositrice contemporaine ayant atteint l'admiration publique aussi bien que le respect universel de la critique ».

 

Principales œuvres

 

 

Laconisme de l'aile (1982) pour flûte

Lichtbogen (1986) pour ensemble

Nymphea Jardin secret III (1987) pour quatuor à cordes et électronique

Stilleben (1987) musique électronique

NoaNoa (1992) pour flûte et électronique

Graal Théâtre  pour violon et orchestre (1994), pour violon et ensemble (1997)

Oltra Mar (1999) pour chœur mixte et orchestre

Nymphea reflexion (2001) pour orchestre à cordes

Notes on light (2006) pour violoncelle et orchestre

Circle Map (2012) pour grand orchestre et électronique live

 

Opéras sur des livrets d’Amin Maalouf :

L’amour de loin (2000)

Adriana Mater (2005)

La passion de Simone (2006) d'après la vie de la philosophe Simone Weil

Emilie (2008)

Only the Sound Remains (2015)

 

Œuvres orchestrales

en 4 CD

 

Graal théâtre …

 

On trouvera une biographie et une analyse de l’œuvre de Kaija Saariaho sur Ressources-IRCAM

 

 

 

Philippe Hurel (1955-)

 

Héritier du mouvement de la « musique spectrale », Philippe Hurel y intègre le contrepoint pour l’écriture mélodique, une harmonie constituée de micro-intervalles et des rythmes inspirés du jazz.

 

Philippe Hurel, compositeur français, est né le 24 juillet 1955 à Domfront.

Après des études au Conservatoire et à l’Université de Toulouse il étudie au Conservatoire de Paris la composition et l’analyse avec Ivo Malec et Betsy Jolas.

De 1985 à 1989, il participe aux travaux de la « Recherche musicale » à l'IRCAM.

De 1986 à 1988, il est pensionnaire de la Villa Médicis à Rome.

En 1995, il reçoit le Siemens-Stiftung-Preis à Münich pour ses « Six Miniatures en Trompe-l’œil ».

De 1997 à 2001, il enseigne à l’IRCAM dans le cadre du Cursus d’informatique musicale.

En 2000, il entre en résidence à l’Arsenal de Metz et à la Philharmonie de Lorraine.

Il reçoit le Prix SACEM des compositeurs en 2002 et le Prix SACEM de la meilleure création de l’année en 2003 pour « Aura ».

En 1991, il crée, avec le chef d’orchestre Pierre-André Valade, l’Ensemble Court-circuit qu’il dirige encore aujourd’hui.

En 2014 est créé son opéra « Les pigeons d'argile » au Capitole de Toulouse.

De 2013 à 2017, il est professeur de composition au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Lyon.

 

Quelques œuvres de Philippe Hurel

 

 

 

Pour l’image (1986) pour ensemble

Six Miniatures en Trompe-l’œil (1991) pour 14 instruments

Leçon de choses (1993) pour ensemble et électronique

Pour Luigi (1994) pour flûte, clarinette, violon, violoncelle et piano

Tombeau in memoriam Gérard Grisey (1999) pour piano et percussions

Quatre variations (2000) pour percussion solo et ensemble instrumental

Phonus ou la voix du faune (2004) pour flûte et orchestre

Tour à Tour II (2015) pour orchestre et électronique

 

 

On trouvera une biographie et une analyse de l’œuvre de Philippe Hurel sur Ressources-IRCAM

Voir aussi le site du compositeur.

 

 

 

Marc-André Dalbavie (1961-)

 

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Marc-André Dalbavie, compositeur français, est né le 10 février 1961 à Neuilly-sur-Seine.

En 1980, il entre au Conservatoire de musique de Paris, où il aura entre autres professeurs Michel Philippot (composition), Guy Reibel (électroacoustique), Marius Constant (orchestration et instrumentation) et Tristan Murail (informatique musicale).

De 1985 à 1990 il travaille au département de recherche musicale de l'IRCAM où il se consacre à la composition assistée par ordinateur, ainsi qu’à l’analyse du spectre sonore.

Sa première œuvre réalisée en 1986 à l'IRCAM, « Diadèmes » pour alto solo transformé, ensemble électronique et ensemble instrumental, lui vaut une renommée internationale.

À l’issue d’un concours international, il est invité au DAAD (Office Allemand d'Échanges Académiques) de Berlin de 1992 à 1993.

De 1995 à 1996, il est pensionnaire de la Villa Médicis à Rome.

Depuis 1996, il est professeur d’orchestration au Conservatoire de musique de Paris.

En 1998, il est nommé Compositeur en résidence à l'Orchestre de Cleveland, puis à l'Orchestre de Paris en 2000-2002.

En 2001, il est lauréat du Grand Prix SACEM de la musique symphonique.

En 2004, il est nommé Chevalier des Arts et des Lettres par le Ministère de la Culture.

En 2010 son premier opéra « Gesualdo », est créé à Zürich.

 

Quelques œuvres de Marc-André Dalbavie

Le travail de Marc-André Dalbavie est basé sur une recherche autour du timbre et du phénomène sonore, liée à l’électronique, ainsi que sur la spatialisation. La spatialisation peut consister en la dispersion des musiciens de l’orchestre dans la salle, l’utilisation de 2 ou plusieurs orchestres disposés autour du public …, que l’on ne pourra vraiment apprécier que dans les salles de concert.

 

 

Les Paradis Mécaniques (1983) pour ensemble à vents et piano

Color (2001) pour orchestre

Concerto pour piano (2005)

Concerto pour flûte (2006)

La Source d'un regard (2007) pour orchestre

Quatuor avec piano (2011)

 

 

On trouvera une biographie et une analyse de l’œuvre de Marc-André Dalbavie sur Ressources-IRCAM

 

 

 

Claude Vivier (1948-1983)

 

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Claude Vivier, compositeur québécois, est né à Montréal le 14 avril 1948 de parents inconnus.

Adopté à l'âge de 3 ans, il découvre la musique au séminaire, où il entre à 16 ans.

De 1966 à 1970, il étudie au Conservatoire de musique de Montréal.

En 1971 il étudie l’électroacoustique à l’Institut de sonologie d’Utrecht, puis de 1972 à 1974, la composition avec Karlheinz Stockhausen à Cologne.

En 1976-1977, il effectue un long voyage en Orient qui va influencer significativement sa musique.

Après son opéra « Kopernikus » créé le 8 mai 1980, son style évolue vers la « musique spectrale » avec « Lonely Child » pour soprano et orchestre, l’une de ses œuvres les plus connues.

En juin 1982, il rejoint Paris, où il commence la composition d’un opéra sur la mort de Tchaïkovski.

Il meurt assassiné le 7 mars 1983 à l’âge de 34 ans, laissant inachevée sa dernière œuvre « Glaubst du an die Unsterblichkeit der Seele » (Crois-tu en l'immortalité de l'âme ?), pour chœur et cinq instrumentistes, œuvre dans laquelle il décrit sa propre mort, inspirée par une agression déjà subie deux mois plus tôt.

Quelques œuvres de Claude Vivier

 

 

Greeting Music (1978) pour piano, flûte, hautbois, violoncelle et percussion

Kopernikus : Rituel de la mort (1979) opéra en deux actes, pour sept chanteurs, sept ou huit instrumentistes et bande

Lonely Child (1980) pour soprano et orchestre

Zipangu (1980) pour orchestre à cordes

Wo bist du licht! (1981) pour mezzo-soprano, percussion, cordes et bande.

Bouchara (1981) chanson d'amour, pour soprano, ensemble et bande

Trois airs pour un opéra imaginaire (1982) pour soprano et ensemble

Glaubst du an die Unsterblichkeit der Seele ? (1983) pour chœur et 5 instrumentistes (inachevé)

 

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Greeting music

Wo bist du Licht

Bouchara

3 airs pour un opéra imaginaire

 

 

On trouvera une biographie et une analyse de l’œuvre de Claude Vivier sur Ressources-IRCAM

 

 

 

Jean-Luc Hervé (1960-)

 

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Jean-Luc Hervé, compositeur français, est né le 10 août 1960 à Saint-Maur-des-Fossés.

Il étudie l'orchestration et l'électroacoustique au Conservatoire national de Région de Boulogne-Billancourt, puis la composition au Conservatoire de musique de Paris avec Gérard Grisey qui le marque profondément.

Il complète sa formation à l'IRCAM en 1996 puis y mène une recherche sur la composition assistée par ordinateur.

En 2001, il est pensionnaire à la Villa Kujoyama de Kyoto et, en 2003, au DAAD (Office Allemand d'Échanges Académiques) de Berlin.

Il fonde en 2004, avec Thierry Blondeau et Oliver Schneller, « L’initiative Biotop(e) », qui promeut une écoute des œuvres en relation avec leur environnement dans l'espace et dans le temps.

Une partie de son travail actuel consiste en des œuvres de concert-installation conçues pour des sites singuliers. Il est également professeur de Composition au Conservatoire de Boulogne-Billancourt.

 

Quelques œuvres de Jean-Luc Hervé

 

 

Dans l'heure brève (1997) pour deux violons solistes et cinq instruments

Dans l'ombre des anges (1999) pour flûte, clarinette, violoncelle et percussion

Des oiseaux (2003) pour deux voix de soprano et trois clarinettes

Amplification propagation 3 (2006) pour trio à cordes et piano

Au dehors (2008) pour clarinette, piano, violon et violoncelle

En mouvement (2011) pour sept instruments

4 (2012) pour deux pianos et deux percussions

Germination (2013) concert-installation pour ensemble et électronique puis dispositif sonore et végétal

 

 

 

 

On trouvera une biographie et une analyse de l’œuvre de Jean-Luc Hervé sur Ressources-IRCAM

 

 

 

Iancu Dumitrescu (1944-)

 

Iancu Dumitrescu, compositeur roumain, est considéré comme l’un des chefs de file du courant spectraliste mondial.

 

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Ana-Maria Avram et Iancu Dumitrescu

Iancu Dumitrescu est né le 15 juillet 1944 à Sibiu en Roumanie.

Après avoir obtenu une maîtrise en composition à Bucarest, il étudie la direction d'orchestre et la philosophie avec Sergiu Celibidache qui l’engage à appliquer la phénoménologie husserlienne à la musique et à la composition.

En 1976 il fonde l'Ensemble HYPERION consacré à la musique expérimentale, et organise avec son épouse, la compositrice Ana-Maria Avram, le festival « Spectrum XXI » dédié aux musiques spectrales. Tous deux, travaillant particulièrement les phénomènes, textures et espaces sonores, ont développé une musique hyper-spectrale originale associant musique électroacoustique et musique instrumentale.

Dumitrescu est également fondateur et directeur artistique des festivals internationaux de musique assistée par ordinateur « Acousmania, Musica Nova » et « Musica Viva ».

Son œuvre comprend plus de 300 œuvres, parmi lesquelles de la musique de chambre, de la musique électroacoustique, orchestrale et informatique.

 

Principales œuvres

 

 

 Cogito, Trompe-l'œil (1984) pour piano préparé, 2 contrebasses, gong javanais, cristaux et objets métalliques

Pierres sacrées (1991) musique acousmatique pour pianos préparés, plaques et objets métalliques amplifiés.

Harryphonies (Alpha) (1991) pour contrebasse, ensemble, percussions, piano préparé et harryphone*

Harryphonies (Epsilon) (1991) pour contrebasse solo, harryphone* et orchestre

Galaxy (1993) musique acousmatique pour harryphone*, percussions amplifiées et micro-processeur.

Sound source (2011)

Hyperspectres (2011) pour contrebasses, violoncelles et percussion

 

Avec Ana-Maria Avram :

Ouranos II (1997) pour 12 violoncelles, sons assistés par ordinateur et percussion virtuelle

 

* Le harryphone est un instrument métallique inventé par Iancu Dumitrescu, joué avec des microphones à contact et des baguettes de batterie.

 

 

 

Philippe Leroux (1959-)

 

Philippe Leroux est né en 1959 à Boulogne sur Seine (France).

En 1978, il entre au Conservatoire de Musique de Paris dans les classes d’Ivo Malec, Claude Ballif, Pierre Schaeffer et Guy Reibel où il obtient trois premiers prix.

Durant cette période, il étudie également avec Olivier Messiaen, Franco Donatoni, Betsy Jolas, Jean-Claude Eloy et Iannis Xenakis.

En 1993, il est nommé pensionnaire à la Villa Médicis (prix de Rome) où il séjourne jusqu’en octobre 1995.

Il reçoit de nombreux prix dont le prix de « la meilleure création musicale contemporaine de l'année » pour son œuvre « (d')Aller »  et

le prix SACEM des compositeurs en 2003.

De 2001 à 2006 il enseigne la composition à l'IRCAM dans le cadre du cursus d'informatique musicale.

 

Quelques œuvres de Philippe Leroux

 

Philippe Leroux est l'auteur de plus de 80 œuvres, pour orchestre symphonique, acousmatiques, vocales, pour dispositifs électroniques, et de musique de chambre.

 

 

(d')Aller (1995) pour violon soliste et seize instruments

AAA (1996) pour flûte, clarinette, violon, alto, violoncelle, piano et percussion

M (1997) pour deux pianos, deux percussions et électronique

Ma belle si tu voulais (1997) pour voix seule

Un lieu verdoyant (1999) hommage à Gérard Grisey, pour voix et saxophone

Voi(Rex) (2002) pour voix, six instruments et dispositif électronique

L’unique trait de pinceau (2009) pour saxophone et orchestre

Extended Apocalypsis (2011) pour quatre chanteurs, seize instruments et dispositif électronique

 

De la percussion

 

 

 

On trouvera une biographie et une analyse de l’œuvre de Philippe Leroux sur Ressources-IRCAM

Voir aussi le site du compositeur

 

 

 

Joshua Fineberg (1969-)

 

Compositeur de musique spectrale, Joshua Fineberg collabore régulièrement avec l'IRCAM en tant que compositeur invité.

 

Joshua Fineberg, compositeur américain, est né le 26 juillet 1969 à Boston (USA)

Il commence ses études musicales à l'âge de cinq ans, incluant le violon, la guitare, le piano, le clavecin ainsi que la direction d’orchestre.

Après des études au conservatoire de Baltimore, il étudie aux États-Unis avec de nombreux compositeurs dont George Crumb, et en France avec Philippe Manoury et André Boucourechliev.

En 1991, il s'établit, à Paris où il travaille avec Tristan Murail.

En 1992, il est sélectionné pour le cursus de composition et d'informatique musicale de l’IRCAM.

En 1997, il retourne aux Etats-Unis pour y poursuivre un doctorat de composition musicale qu’il achève en mai 1999.

En 2000, il est nommé professeur au département musique de l’université de Harvard, où il reste jusqu'en 2007. Il dirige ensuite le studio de musique électronique de l’école de musique de l’université de Boston où il enseigne la composition.

En 2012, il est le directeur fondateur du Center for New Music de l’université de Boston.

 

Joshua Fineberg, influencé par le courant spectral, initié par Gérard Grisey et Tristan Murail, développe les recherches de ces derniers en utilisant les technologies les plus avancées et en travaillant à partir d’une matière première qui n’est plus uniquement le son, mais aussi les phénomènes psychoacoustiques.

 

Quelques œuvres de Joshua Fineberg

 

 

Recueil de pierre et de sable (1998) pour huit instruments

Veils (2001) pour piano

Shards (2002) pour flûte, clarinette et violoncelle

Lolita (2006) spectacle multimédia, opéra imaginaire

Objets trouvés (2009) pour sextuor

La Quintina, (2013) pour quatuor à cordes et électronique

L’abîme (2016) pour 3 solistes, 1 ensemble sur scène et 1 ensemble hors scène.

 

L’abîme, la quintina,

objets trouvés …

 

On trouvera une biographie et une analyse de l’œuvre de Joshua Fineberg sur Ressources-IRCAM

 

 

Compositeurs influencés par la musique spectrale

 

Jonathan Harvey (1939-2012)

 

Jonathan Harvey est parfois appelé « le plus français des musiciens anglais », en référence à sa proximité avec l'univers de Messiaen et celui de l'école spectrale de Tristan Murail et Gérard Grisey.

 

Jonathan Harvey, Compositeur britannique, est né le 3 mai 1939 à Sutton Colfield (Angleterre).

Il étudie la musique aux universités de Glasgow et de Cambridge.

Sur le conseil de Benjamin Britten, il étudie la composition successivement auprès d’Erwin Stein et d’Hans Keller, tous deux élèves de Schoenberg, qui lui enseignent la technique dodécaphonique.

En 1966, il découvre la musique de Karlheinz Stockhausen, qui va exercer une profonde influence sur lui.

A l'université de Princeton en 1969-1970, il rencontre Milton Babitt qui l’initie à l'informatique musicale.

En 1975, il publie un ouvrage sur l’œuvre de Stockhausen.

Au début des années 1980, Pierre Boulez l’invite à travailler à l’IRCAM où il se familiarise avec le courant spectral et le son électronique.

De 1977 à 1993, il est professeur de musique à l’université du Sussex.

En 1993 il reçoit le prix Britten de composition.

De 1995 à 2000, il enseigne la musique à l’université de Stanford (Etats-Unis).

En 1999, il publie deux livres sur l’inspiration et sur la spiritualité.

De 2005 à 2008, il est en résidence à l’Orchestre symphonique écossais de la BBC.

En 2007, il reçoit le Prix Giga-Hertz pour l’ensemble de ses œuvres de musique électronique.

 

L’œuvre de Jonathan Harvey couvre tous les genres : musique pour chœur a capella, grand orchestre, orchestre de chambre, ensemble, et instrument soliste. Il est considéré comme l’un des compositeurs les plus imaginatifs de musique électroacoustique.

Une constante de sa musique est sa quête de spiritualité. Sa musique s’inspire entre autres des textes bouddhistes, de la Bible, de l'anthroposophie.

 

Principales œuvres

 

 

Mortuos Plango, Vivis Voco (1980), pour sons concrets traités par ordinateur.

Bhakti (1982) pour ensemble de quinze instrumentistes et bande quadriphonique (ou cd-rom).

Madonna of Winter and Spring (1986) pour orchestre, synthétiseurs et électronique

Advaya (1994) pour violoncelle, clavier numérique et électronique

Tombeau de Messiaen (1994) pour piano et bande

Wheel of Emptiness (1997) pour ensemble de 16 instrumentistes

Tranquil Abiding (1998) pour orchestre de chambre

White as Jasmine (1999) pour soprano et grand orchestre

Bird Concerto with Pianosong (2001) pour piano solo, orchestre de chambre et électronique live

Wagner Dream (2007) opéra

Speakings (2008) pour orchestre et électronique

Weltethos (2011) pour récitant, grand chœur, chœur d'enfants et orchestre

 

 

 

 

 

On trouvera une biographie et une analyse de l’œuvre de Jonathan Harvey sur Ressources-IRCAM

 

 

 

Georg Friedrich Haas (1953-)

 

Georg Friedrich Haas, compositeur autrichien, est né le 16 août 1953 à Graz (Autriche).

Il étudie à l’université de musique de Graz de 1972 à 1979 puis au conservatoire de Vienne de 1981 à 1983.

Il participe aux cours d’été de Darmstadt en 1980, 1988 et 1990.

En 1991, il travaille l’informatique musicale à l’IRCAM à Paris.

En 2003, il reçoit le Prix pour la musique de la ville de Vienne.

En 2010, il reçoit le Grand prix de composition de l’Orchestre symphonique de la SWR (radio sud-ouest allemande) pour « Limited approximations » et, en 2013, le Prix Salzburg Music Award.

De 2005 à 2012, il enseigne la composition au Conservatoire de Bâle et en 2013, il succède à Tristan Murail comme professeur de composition à la Colombia University.

 

La musique de Georg Friedrich Haas hérite entre autres des compositeurs micro-tonals comme Wyschnegradsky, de Giacinto Scelsi et de l’école spectrale française (Gérard Grisey, Tristan Murail).

Par ailleurs, les effets de lumière sont une composante à part entière dans certaines de ses pièces (« In vain », « Hyperion » …) pour lesquelles il fait des recommandations concernant l'intensité lumineuse de la salle de concert telles que diminution progressive de l'éclairage jusqu'au noir complet… Il a ainsi écrit plusieurs pièces à exécuter dans l’obscurité totale.

 

Georg Friedrich Haas est aussi l’auteur de plusieurs textes théoriques sur la musique spectrale ainsi que sur les œuvres de Luigi Nono, Ivan Wyschnegradsky, Alois Hába, et Pierre Boulez.

 

Quelques œuvres de G.F. Haas

 

 

Concerto pour violon (1998)

In vain (2000) pour 24 instruments

Sayaka (2006) pour percussion et accordéon

Hyperion (2006) Concerto pour lumières et orchestre

Open spaces (2007) pour 12 instruments à cordes et 2 percussions

Limited approximations (2010), pour six pianos accordés en micro-tons et orchestre

Opéras :

Nacht (1998), opéra de chambre

Melancholia (2007) Opéra en trois parties

 

In vain

 

On trouvera une biographie et une analyse de l’œuvre de G.F. Haas sur Ressources-IRCAM

 

 

 

Magnus Lindberg (1958-)

Influencé par la musique spectrale, Lindberg a aussi composé dans des techniques et des genres très divers allant du sérialisme total au free jazz, en passant par la musique aléatoire et la musique concrète.

 

Magnus Lindberg, compositeur finlandais, est né le 27 juin 1958 à Helsinki.

Entre 1977 et 1981, il étudie la composition avec Rautavaara et Heininen à l'Académie Sibelius d'Helsinki, puis quitte la Finlande pour Paris en 1981 où il étudie avec Vinko Globokar et Gérard Grisey qui l'initie à l'harmonie spectrale.

En 1977 il fonde, avec entre autres Kaija Saariaho et Esa-Pekka Salonen, le groupe « Korvat auki » (oreilles ouvertes en finnois) en vue de promouvoir la création musicale contemporaine.

En 2001, il est élu membre de l'Académie des arts de Berlin.

De 2009 à 2012, il est compositeur en résidence au New York Philharmonic puis, de 2014 à 2017, au London Philharmonic Orchestra et, en 2016-2017, à l'Orchestre Philarmonique de Radio France.

Magnus Lindberg est considéré aujourd’hui comme un compositeur majeur dans le domaine de la musique orchestrale comme l’attestent ses pièces récentes telles que « Sculpture » (2005), « Seht die Sonne » (2007), « Al largo » (2010), Era (2012) écrites pour des orchestres prestigieux.

 

Autres œuvres de Magnus Lindberg

 

 

Kinetics (1989) pour grand orchestre

Marea (1990) pour orchestre

Joy (1990) pour ensemble et électronique

 

Corrente (1992) pour ensemble

Aura (1994) pour grand orchestre

Engine (1996) pour ensemble

Concerto pour violoncelle (1999)

Concerto pour clarinette (2002)

Graffiti (2009) pour chœur et orchestre

Concerto pour piano n°2 (2012)

 

La musique orchestrale

en 4 CD

 

On trouvera une biographie et une analyse de l’œuvre de Magnus Lindberg sur Ressources-IRCAM

 

 

 

Autres compositeurs influencés par la musique spectrale

 

Parmi les autres compositeurs influencés par la musique spectrale, citons :

 

Toshirō Mayuzumi (1929 - 1997), Japon

Le compositeur japonais Toshirō Mayuzumi (1929-1997), a analysé acoustiquement les sons des cloches bouddhistes et reproduit leur qualité sonore par l'orchestre dans sa Nirvana Symphony pour chœur et orchestre (1958).

 

 

Salvatore Sciarrino (1947-), Italie

Salvatore Sciarrino crée un style et un son originaux, en s’attachant aux micro-variations de timbres et de souffle.

=>  Melancolia I (1981) pour violoncelle et piano

 

 

Thierry Alla (1955-), France

Thierry Alla utilise les techniques électroniques et les micro-intervalles.

=>  Sanctuaires (2009), concerto pour saxophone et orchestre

 

 

Claude Ledoux (1960-), Belgique

Claude Ledoux fusionne les musiques non-européennes et celles issues des nouvelles technologies élaborées aux studios de Liège et de l’IRCAM.

=>  A Butterfly's Dream (2016) pour piano et orchestre

 

 

George Benjamin (1960-), Grande-Bretagne

George Benjamin a étudié avec Olivier Messiaen et Yvonne Loriod au Conservatoire de Paris, et avec Alexander Goehr au King’s College de Cambridge.

=>  Three Inventions for Chamber Orchestra (1995)

 

 

Thierry Blondeau (1961-), France 

Thierry Blondeau a fondé avec Jean-Luc Hervé et Oliver Schneller « L’initiative Biotop(e) » qui propose l'écoute des œuvres en relation avec leur environnement dans l'espace et le temps.

=>  Lieu I (2007) pour ensemble

 

 

Ana-Maria Avram (1961-2017), Roumanie

Ana-Maria Avram est membre, depuis 1988, de l'Ensemble Hyperion de Bucarest fondé en 1976 par son époux Iancu Dumitrescu. Elle organise avec ce dernier le festival « Spectrum XXI » dédié aux musiques spectrales.

=>  Textures liminales pour ensemble et électronique

 

 

Bruno Letort (1963-), France

Bruno Letort vise à la pluridisciplinarité, comme en témoigne le nombre d’œuvres qu’il a composées pour la danse, le théâtre, le cinéma.

=>  L’horloger du rêve (2013), Fables électriques (2013)

 

 

Xu Yi (1967-), France, Chine

Xu Yi a suivi le Cursus de composition et d’informatique musicale à l’IRCAM, puis la classe de Gérard Grisey au CNSMD de Paris (premier prix en 1994). Elle est la première compositrice d'origine chinoise pensionnaire à la Villa Médicis (1996-1998).

=>  1+1=3 (2004) pour percussion solo et deux groupes de percussions

 

 

Julian Anderson (1967-), Grande-Bretagne

Julian Anderson a étudié la composition avec John Lambert à Londres, avec Alexander Goehr à Cambridge1 et, à titre privé, avec Tristan Murail à Paris. Il a suivi les cours d'été de composition dispensés par Olivier Messiaen, Per Nørgård, Oliver Knussen et György Ligeti. Il a remporté le prix de composition de la Royal Philharmonic Society en 1993.

=>  The discovery of heaven (2011) pour orchestre

 

 

Éric Tanguy (1968), France

Éric Tanguy a étudié la composition avec Horatio Radulescu puis avec Ivo Malec et Gérard Grisey au CNSMD de Paris d'où il est sorti avec un Premier prix de composition.

=>  Eclipse (1999), Incanto (2001) pour orchestre

 

 

Fabien Lévy (1968-), France

Fabien Lévy a étudié au CNSMD de Paris, avec entre autres Gérard Grisey, Michaël Lévinas, Gilles Léotaud et Marc-André Dalbavie.

=>  Danse polyptote (2012) pour accordéon et violoncelle

 

 

Régis Campo (1968-), France

Régis Campo, entré au Conservatoire de musique de Paris dans les classes d’Alain Bancquart et de Gérard Grisey, obtient un Premier prix de composition en 1995.

La musique de Régis Campo est souvent qualifiée de ludique, remplie d'humour et de couleurs.

=>  Commedia (1995) pour 19 musiciens.

 

 

Mauro Lanza (1975-), Italie

Mauro Lanza s’est formé auprès de Brian Ferneyhough, Salvatore Sciarrino et Gérard Grisey.

En 1998, il a suivi durant une année le Cursus de composition et d’informatique musicale de l’IRCAM, dont il est devenu professeur entre 2010 et 2013.

=>  La bataille de Caresme et de Charnage (2012), pour violoncelle et électronique

 

 

 

 

 

A suivre =>

 

 

 



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