Sommaire de ce chapitre

 

 

 

 

 

Introduction

 

La musique baroque concerne une période d’environ 150 ans, de 1600 à 1750. Elle suit la période de la Renaissance et précède la période dite classique qui sera représentée en particulier par Haydn, Mozart et Beethoven.

Les musiciens baroques étaient considérés comme des artisans de la musique, plutôt que comme des artistes libres, créant et « fabriquant » de la musique pour leurs commanditaires : Eglise, rois ou maitres.  Bach, par exemple, par sa fonction de maitre de chapelle, devait écrire une cantate pour chaque dimanche de l’église de Leipzig.

La période baroque a été très féconde dans l’évolution de la musique, avec l’invention de la gamme tempérée, l’utilisation des modes majeurs et mineurs, la création de nouveaux instruments et surtout la définition des bases de l’harmonie classique.

 

 

 

Les formes musicales

 

La naissance de l’opéra

 

L’opéra nait en Italie avec Monteverdi qui va consacrer cette nouvelle forme d’art lyrique avec « Orfeo » en 1607. Il composera ensuite « Ariana » en 1608, « Le retour d’Ulysse dans sa patrie » en 1641 et « Le couronnement de Popée » en 1643.

 

Ecoutez le premier « tube » de l’opéra :

 

 

L’opéra d’alors peut se définir comme un drame musical entièrement chanté, avec danses, airs et chœurs accompagnés par l’orchestre et reliés par des phrases en récitatif (c’est à dire un chant proche du langage parlé).

Ensuite, Alessandro Scarlatti (1659-1725) composera quelques 125 opéras ainsi que 700 cantates et oratorios.

Pergolèse (1710-1736) marquera également l’opéra italien avec sa « Serva Padrona » (la servante maîtresse).

 

 

 

 

En Angleterre, c’est Henry Purcell (1659-1695) qui lance l’opéra avec « Didon et Enée », suivi par Haendel (1685-1759) (d’origine allemande) qui écrivit 40 opéras dans le style italien, dont les plus célèbres sont « Jules César en Egypte », « Alcina », « Orlando », « Ariodante ».

 

Ecoutez : extrait de Didon et Enée de Purcell.

 

 

 

Autres formes lyriques

 

Le choral est un chant liturgique introduit  par Martin Luther pour être chanté en chœur dans les églises protestantes, souvent accompagné par l’orgue. Les chorals de Jean-Sébastien Bach sont les plus célèbres.

 

La cantate est un ensemble de récitatifs et d’airs à une ou plusieurs voix soutenues par une basse continue (clavecin, orgue …) à laquelle peuvent s’ajouter d’autres instruments mélodiques (violons, flutes …). Elle peut être profane (cantate de chambre) ou religieuse (cantate sacrée).

 

L’oratorio a la forme de l’opéra : On y retrouve une ouverture, des récitatifs, des airs et des chœurs, mais il n’y a pas de mise en scène. Il peut être profane mais est le plus souvent religieux.

Les plus célèbres oratorios baroques sont « Le Messie »  (1742) de Haendel  et les « Passion selon Saint Jean » (1723) et « Passion selon Saint Mathieu » (1729) de J.-S. Bach.

 

Ecoutez   de J.-S. Bach.

 

 

 

La musique instrumentale

 

Le concerto grosso comprend 2 groupes de musiciens : un petit groupe de solistes (le plus souvent 3) appelé concertino et un grand groupe appelé grosso ou ripieno.

 

Exemple : de J.-S. Bach.

 

Le concerto de soliste met en présence un soliste et l’orchestre, dans une sorte de conversation. Il comprend 3 mouvements : Un premier mouvement rapide (Allegro), un deuxième mouvement lent (Adagio ou andante) et un troisième mouvement rapide (allegro).

 

Exemple : des 4 saisons de Vivaldi.

 

La sonate baroque, dont le terme vient de l’italien sonare qui signifie sonner, désigne une œuvre jouée par des instruments par opposition à la cantate qui désigne une œuvre chantée.

Les plus célèbres sonates de cette époque sont sans doute les sonates en trio de Corelli et les 555 sonates pour clavecin de Domenico Scarlatti.

 

dite « La folia » de Corelli.

de D. Scarlatti.

 

La suite (ou partita) est dérivée de la sonate de chambre qui comportait elle-même plusieurs mouvements de danses.

La suite est composée d’une succession de danses, alternant mouvements vifs et mouvements lents. Elle peut débuter avec un prélude. Chaque mouvement de danse est généralement très simple, construit sur un seul thème.

Couperin, Rameau, Haendel, J.-S. Bach, … ont écrit de nombreuses suites et partitas.

 

Autres formes musicales :

 

Le rondeau, alternance de couplets avec un refrain.

 

Le tombeau, œuvre musicale composée en hommage à un ami ou à un personnage important, qu’il soit mort ou vivant.

 

L’ouverture, composition musicale généralement jouée en début d’un concert, ou d’un opéra.

 

Le prélude, à l’origine pièce servant d’introduction à une œuvre musicale, peut aussi être une pièce indépendante ou introduire une fugue, une cantate ou un opéra.

de J.-S. Bach.

 

La toccata est une pièce écrite pour mettre en valeur l’instrument (principalement l’orgue) et est caractérisée par des accords fournis, des passages rapides soutenus par des notes tenues, des ornementations très riches.

de J.-S. Bach.

 

 

 

Les compositeurs baroques

 

Cliquez sur la vignette du compositeur pour accéder à sa fiche biographique

 

 

 

Le baroque en Italie

 

C’est en Italie que nait la musique baroque avec la création de l’opéra et le développement de la basse continue.

 

 

 

 

Le baroque en France

 

La France se démarque de l’Italie, en préférant la tragédie lyrique à l’opéra italien, avec Lully et Rameau, et la suite de danses aux sonates et concertos italiens.

 

 

 

 

Le baroque en Allemagne

 

Les musiciens baroques allemands adoptent les formes de l’opéra et de l’oratorio proposées par l’Italie, et font évoluer les formes sonate et concerto, en particulier avec Jean-Sébastien Bach.

 

 

 

 

 

 

 

Les instruments baroques

 

Cette gravure, tirée de l’encyclopédie de Diderot, montre, dans l’atelier d’un luthier, divers instruments utilisés à l’époque baroque :

 

 

 

Certains de ces instruments tels les serpents, violes de gambe, violes à roue, seront amenés à disparaître. D’autres au contraire vont se pérenniser tels les instruments du quatuor à cordes (violon, alto, violoncelle et contrebasse) que les familles de facteurs Amati, Guarnerius ou Stradivarius amènent à une perfection jamais égalée.

 

L'orchestre baroque est constitué de quatre familles d'instruments :

-        Les instruments à cordes

-        Les instruments à vent : bois

-        Les instruments à vent : cuivres

-        Les percussions

 

Cliquez sur l'image de l'instrument pour accéder à sa fiche technique

 

Les instruments à cordes

 

Les violes de gambe

Caspar Netscher (1635-1684) La leçon de basse de viole La viole de gambe s’appelle ainsi car elle est jouée tenue entre les jambes (sauf la contrebasse de viole jouée debout). Elle diffère de la famille des violons par le nombre de cordes (6 au lieu de 4) et la présence de frettes, qui divisent la touche comme sur le luth ou la guitare. On trouve, du plus grave au plus aigu : -   La Contrebasse de viole de gambe -   La Grande basse de viole de gambe -   La Basse de viole de gambe -   La Viole de gambe ténor -   La Viole de gambe alto (peu utilisée) -   Le Dessus de viole -   Le Pardessus de viole, accordé 1 octave plus haut que la viole ténor, et ne comportant que 5 cordes.

 

 

 

La famille des violons

 

Les membres de la famille des violons possèdent généralement 4 cordes accordées de quinte en quinte, et ne possèdent pas de frettes sur la touche.

Le violon a été créé au 16e siècle en Italie. Il a d’abord été un instrument populaire utilisé pour la danse, avant de supplanter la viole de gambe et devenir l’un des plus prestigieux instruments solistes et la composante principale de l’orchestre. C’est Andrea AMATI qui en finalisa la forme et les règles de construction, autour de 1550. Il a ensuite été développé par les fils et petit-fils d’AMATI, puis aux 17e et 18e siècles par la famille GUARNERI et enfin par le plus grand, Antonio Stradivari, dit STRADIVARIUS (1644-1737), dont la qualité des violons n’a jamais été égalée.   En dehors de l’Italie, le luthier le plus remarquable est l’autrichien Jacob STAINER (1617-1683).

 

Le luth

 

Le Caravage - Le joueur de luth Cet instrument, d’origine égyptienne, a été introduit en Europe par les arabes via l’Espagne. C’était l’instrument idéal pour accompagner les voix. D’abord joué avec un plectre, il fut ensuite joué avec les doigts et gagna ainsi en nuance et en expressivité. Il a sans cesse évolué, principalement par l’ajout de cordes graves, jusqu’au XVIIIe siècle où il finira par disparaître.

 

 

 

Les instruments à vent : bois

 

 

 

 

 

Les instruments à vent : cuivres

 

 

 

 

Les instruments à clavier

 

 

 

 

Les percussions

 

 

 

 

Les chefs d’œuvre marquants
de la musique baroque

 

 

Quelques  idées pour créer ou compléter votre discothèque baroque …

(Liste non exhaustive, bien sûr)

 

 

 

Les chefs-d’œuvre du 17e siècle

 

 

 

 

Les chefs-d’œuvre du 18e siècle

 

 

 

Nous n’oublions pas bien sur le célèbre bien qu’en réalité il ait été composé en 1945 par un musicologue, Remo Giazotto, qui se serait inspiré de fragments de partitions d’Albinoni.

 

 

 

Pour en savoir plus sur la musique baroque :

Introduction à la musique classique : La musique baroque

 

 

 

 

A suivre =>