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Vingtième siècle (4-1) : La musique française (2/2)

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I    Introduction

II   Evolution de la théorie musicale

III  Evolution des instruments

V   Histoire du jazz


Compositeurs et mouvements musicaux

 

La musique française au 20ème siècle (2/2)

 

Sommaire de ce chapitre

 

Introduction

 

Erik Satie

 

Impressionnistes et symbolistes

Claude Debussy

Maurice Ravel

Albert Roussel

Florent Schmitt

Charles Kœchlin

 

Le groupe des six

Francis Poulenc

Darius Milhaud

Arthur Honegger

… et les autres

 

 

 

École d’Arcueil

Henri Sauguet

 

Le groupe Jeune France

Olivier Messiaen

André Jolivet

 

Autres compositeurs français

Henri Dutilleux

Maurice Ohana

Jacques Ibert

Jean Françaix

Charles Chaynes

Iannis Xenakis

…autres.

 

 

 

L'École d’Arcueil (1923-25)

 

En 1923, quatre jeunes compositeurs français, Maxime Jacob (1906-1978), Henri Cliquet-Pleyel (1894-1963), Roger Desormière (1898-1963) et Henri Sauguet (1901-1989), se groupent sous le nom d’Ecole d’Arcueil, en hommage à leur maître spirituel Erik Satie qui vivait reclus dans son appartement d'Arcueil.

Déçu par l'expérience avortée du « Groupe des Six » après le départ de Louis Durey, Satie considérait que l’Ecole d’Arcueil devait lui succéder. Ces musiciens, qui avaient par ailleurs peu de choses en commun, déclaraient vouloir revenir à la simplicité, à la mélodie, rejetant tout académisme, tout en admettant les rythmes et les sonorités du jazz.

Mais à la mort de Satie, en 1925, le mouvement se disloque peu à peu, chacun reprenant son indépendance : Roger Desormière se tourne vers la direction d'orchestre, Henri Cliquet-Pleyel vers la musique de film, Maxime Jacob, entré chez les bénédictins en 1930, se consacre surtout, sous le nom de Dom Clément Jacob, à la musique religieuse et à la musique de chambre. Seul Henri Sauguet cherchera à prolonger dans son œuvre les idéaux de l'école d'Arcueil.

 

 

 

Henri Sauguet (1901-1989)

 

Henri Sauguet, de son vrai nom Henri-Pierre Poupard, est né à Bordeaux le 18 mai 1901. Sauguet est le nom de jeune fille de sa mère, Elisabeth Sauguet, qui l’initie à la musique dès l’âge de 5 ans.

En 1916, il occupe le poste d’organiste de l’église St-Vincent de Floirac, non loin de Bordeaux.

En 1918, alors qu’il est employé à la préfecture de Montauban, il rencontre Joseph Canteloube, compositeur des célèbres « Chants d’Auvergne », avec qui il étudie la composition.

Avec Louis Emié et Jean-Marcel Lizotte, il fonde à Bordeaux le « Groupe des Trois » dans le but de faire entendre la musique la plus récente, libre de toute influence et de toute attache.

Sur les instances de ses amis Darius Milhaud et Francis Poulenc, Henri Sauguet s’installe à Paris dès octobre 1922, où il se perfectionne dans l’écriture et les formes auprès de Charles Kœchlin.

En 1923, une rencontre avec Satie, organisée par Darius Milhaud, décide de son avenir musical. C’est en effet lors de cette réunion que Satie accepte de parrainer le groupe « Ecole d’Arcueil » formé par Henri Sauguet, Roger Desormière, Maxime Jacob et Henri Cliquet-Pleyel.

En 1927, les Ballets russes de Diaghilev créent à Monte-Carlo son second ballet, « la Chatte », avec Serge Lifar.

En 1945, le ballet « Les Forains », dédié à la mémoire d'Erik Satie, est créé avec la collaboration de Boris Kochno (librettiste), Christian Bérard (décorateur) et Roland Petit (chorégraphe). C’est un énorme succès à tel point qu’en 1954, un thème du ballet donnera lieu à la chanson « Le chemin des forains » créée par Edith Piaf.

 

Décor de Christian Bérard pour les Forains


Les Forains, dans une chorégraphie de Roland Petit


Reçu officier de la Légion d'Honneur en 1956, il présidera la SACD et l'Association « Una Voce » et assumera diverses fonctions officielles à la SACEM et la SDRM.

En 1976, il est élu à l’Académie des Beaux-Arts.

Il meurt à Paris le 22 juin 1989.

 

Une biographie sur : musimem.com

 

Quelques œuvres d’Henri Sauguet

 

 

     La chatte (ballet, 1924)

     Les Mirages (ballet, 1943)

     Les Forains (ballet, 1945) dédié à la mémoire d'Erik Satie

     Symphonie n°1 « expiatoire » (1947)

     Concerto n° 1 pour piano et orchestre (1948)

     Quatuor à cordes n°2 (1948)

     Les Caprices de Marianne (opéra, 1954)

     L'oiseau a vu tout cela , Cantate pour baryton et orchestre à cordes sur un poème de Jean Cayrol (1960)

     Mélodie concertante pour violoncelle et orchestre (1963)

     Ne morietur in aeternum pour trompette et orgue (1979)

 

Henri Sauguet a également composé de la musique de film.

On trouvera un catalogue des œuvres d’Henri Sauguet chez Musicologie.org.

 

 

 

 

Le groupe Jeune France (1935-1945)

 


André Jolivet est au piano. Debout de gauche à droite :
Olivier Messiaen, Yves Baudrier, J.Y. Daniel-Lesur.

En 1935, Yves Baudrier propose au jeune Olivier Messiaen la création d'un groupe en réaction à « une musique dépouillée de toute émotion ». Ce dernier répond positivement et lui conseille d’y joindre André Jolivet et Jean-Yves Daniel-Lesur. Ce sera le groupe « Jeune France », un nom choisi en hommage à Berlioz. Yves Baudrier, porte-parole du groupe, définit lui-même leurs buts dans le programme du concert inaugural qui a lieu le 3 juin 1936 :

« propager les œuvres exemptes de toute banalité aussi bien d'avant-garde qu'académiques, de lutter pour rendre à l'art ses valeurs humanistes, afin de créer une musique vivante. »

Le groupe remet à l’honneur Debussy, et surtout Berlioz à qui se réfère le terme de « Jeune France ».

Le groupe disparaît après la deuxième guerre mondiale.

 

 Yves Baudrier (1906-1988) se distingue surtout comme compositeur de musiques de films.

En 1943, il fonde, avec Marcel L'Herbier et Pierre Gérin, l’Institut des hautes études cinématographiques (IDHEC) où il enseignera de 1945 à 1965.

 

Jean-Yves Daniel-Lesur (1908-2002), outre son appartenance au groupe « Jeune France », est connu pour avoir été, au côté de Marcel Landowski, l'un des bâtisseurs de la vie musicale française à partir des années 1960.

Ses principales œuvres sont 3 opéras dont « Andrea del Sarto » (1969) duquel il tire un ballet et un poème symphonique, le chœur a cappella « Cantique des cantiques » (1953) et la « Symphonie de danses » (1958).

Il a composé également de la musique de film.

 

Les figures les plus marquantes du groupe sont Olivier Messiaen, considéré comme l’un des compositeurs les plus influents de la seconde moitié du 20ème siècle, et André Jolivet.

 

 

 

Olivier Messiaen (1908-1992)

 

Olivier Messiaen est né en Avignon le 10 décembre 1908.

C'est la partition de Pelléas et Mélisande de Debussy, qu’il déchiffre à l’âge de 10 ans « en pleurant d’émotion  », qui décide de sa vocation.

Après ses premières leçons de piano et d’harmonie, il entre au Conservatoire de Paris en 1919 à l'âge de 11 ans où il a entre autres professeurs Marcel Dupré et Paul Dukas. Il en sortira en 1930, muni de cinq premiers prix.

En 1931, à peine sorti du Conservatoire, il est nommé organiste titulaire du grand orgue Cavaillé-Coll de l’Eglise de la Trinité, poste qu’il occupera jusqu’à la fin de sa vie.

Il va acquérir sa véritable personnalité en poursuivant des recherches dans la rythmique des Déçî-Tâlas hindous, la métrique grecque, les chants des oiseaux qui le fascinent (il décide même de devenir ornithologue) ainsi que les modes anciens et orientaux, qu’il enrichit avec ses  modes à transposition limitée.

En 1934, il commence à enseigner à l'Ecole Normale de Musique de Paris et à la Schola Cantorum.

En 1936, il fonde le groupe « Jeune France » avec André Jolivet, Yves Baudrier et Jean-Yves Daniel-Lesur.

En 1940, il est prisonnier des allemands en même temps que trois autres instrumentistes : un clarinettiste, un violoniste et un violoncelliste, pour lesquels il compose son « Quatuor pour la fin du temps ». La première est donnée dans le camp le 15 janvier 1941, lui-même jouant la partie du piano.

Libéré en mars 1941, il est nommé en 1942 professeur au Conservatoire de Paris où il restera jusqu'en 1978.


Olivier Messiaen et Yvonne Loriod

En 1949, à la suite d’une commande du Boston Symphony Orchestra qui ne lui impose aucune limite de temps ni d’effectif, il compose sa monumentale « Turangalîla-Symphonie », œuvre pour grand orchestre avec percussions, piano et ondes Martenot (instrument récent qu’il appréciait particulièrement), comprenant dix mouvements sur une durée de 1h20, mêlant spiritualité et sensualité d’influence exotique, le nom de Turangalîla étant forgé à partir du sanskrit signifiant « rythme, joie, amour ».

 De 1949 à 1951, Messiaen enseigne l'analyse rythmique dans le cadre des célèbres Cours d'été de Darmstadt. Là, il expérimente le dodécaphonisme sériel avec une œuvre dans laquelle il étend la technique sérielle à tous les paramètres du son : « Modes de valeurs et d’intensités ». Ce sera sa seule participation au sérialisme intégral, auquel il ne donnera pas de suite.

Dans les années 1950, Olivier Messiaen va s’intéresser à ce qui fait sa spécificité : l’étude des chants d’oiseaux. Il compose alors « Le Merle noir » (1952) pour flûte et piano, « Réveil des oiseaux » (1953) pour piano solo et grand orchestre, « Oiseaux exotiques » (1956) pour piano solo et petit orchestre et le « Catalogue d'oiseaux »(1956-1959) pour piano.

Après le décès de sa première femme Claire Delbos en 1959, il se remarie avec Yvonne Loriod en 1961.

Celle-ci crée l'essentiel de ses œuvres pour piano.

En 1964, il compose un requiem qu’il intitule « Et exspecto ressurrectionem mortuorum », qui obtient un succès mondial, comparable à celui de sa « Turangalîla-Symphonie ».

En 1966, sa classe d’analyse, célèbre dans le monde entier, devient classe de composition. On y trouve entre autres élèves Pierre Boulez, Pierre Henry, Karlheinz Stockhausen et Iannis Xenakis.

En 1971, à l'initiative de Georges Pompidou, l'Opéra de Paris lui propose d'écrire un opéra. Ce sera « Saint François d'Assise », opéra en 3 actes et 8 tableaux, créé 12 ans après, en 1983.

Messiaen y rassemble tous ses thèmes de prédilection sur un livret écrit par lui : l'itinéraire vers la sainteté de François d'Assise, l'ami des oiseaux...

Sa dernière grande œuvre achevée, « Eclairs sur l’au-delà » a été créée en novembre 1992, six mois après sa mort, par le New York Philharmonic Orchestra, commanditaire de l’œuvre.

A l’instar de Scriabine, Olivier Messiaen associe sons et couleurs : il confie à un journaliste :

« Je suis atteint d’une sorte de synesthésie qui se trouve davantage dans mon intellect que dans mon corps et me permet, lorsque j’entends de la musique, et aussi lorsque je la lis, de voir intérieurement, par l’œil de l’esprit, des couleurs qui bougent avec la musique ; et ces couleurs, je les sens d’une manière excessivement vive. »

Olivier Messiaen meurt le 27 avril 1992 à Clichy-la-Garenne.

 

On trouvera une biographie plus complète ici : Encyclopédie Larousse.

 

 

Quelques œuvres majeures d’Olivier Messiaen

L’œuvre de Messiaen est tout entière marquée par sa foi catholique :

« Pour ma part, j'écris des œuvres musicales religieuses qui sont des actes de Foi mais qui contiennent aussi mon admiration de la nature par l’utilisation des chants d’oiseaux et de nombreuses allusions aux différentes étoiles de notre galaxie ».

 

Le banquet céleste (1928) pour orgue.

L’Ascension (1934), quatre méditations symphoniques pour orgue ou pour orchestre.

Fêtes des belles eaux (1937) pour 6 ondes Martenot.

Quatuor pour la fin du Temps (1940), pour violon, violoncelle, clarinette et piano.

Vingt Regards sur l'Enfant-Jésus (1944), pour piano.

Turangalîla-Symphonie (1949), pour orchestre et deux solistes (piano et ondes Martenot).

Messe de la Pentecôte (1950) pour orgue.

Et exspecto ressurrectionem mortuorum (1964), requiem

Saint François d'Assise (1983), opéra en 3 actes et 8 tableaux.

Eclairs sur l’au-delà (1992) pour très grand orchestre.

 

Olivier Messiaen a également écrit des traités musicaux dont « Vingt Leçons d’Harmonie », « Technique de mon langage musical » (1944) et le monumental « Traité de rythme, de couleur et d'ornithologie ».

 


Finale de la Turangalîla-Symphonie

L’essentiel en 18 CD


Tout l'orgue en 6 CD

 

On trouvera le catalogue des œuvres d’Olivier Messiaen sur Wikipedia.

 

 

 

 

André Jolivet (1905-1974)

 

André Jolivet a abordé tous les genres et tous les styles. Sa musique s’inspire aussi bien des musiques non-européennes traditionnelles que du jazz ou du dodécaphonisme. Il utilise souvent ses propres échelles ou emprunte aux modes : liturgiques, à transposition limitée, antiques et même hindous.

L’ambition d’André Jolivet était de « Rendre à la Musique son sens originel antique, lorsqu’elle était l’expression magique et incantatoire de la religiosité des groupements humains »

Biographie

 

André Jolivet naît le 8 août 1905 à Paris d'un père peintre amateur et d'une mère pianiste amateur qui l’initie au piano dès l’âge de 4 ans. Très jeune, il est attiré par la peinture, le théâtre, la musique et la poésie, mais c’est sa rencontre en 1927 avec Paul Le Flem, critique musical à la revue Comœdia, qui l’oriente de manière décisive vers la musique.

De 1927 à 1932 il étudie l’écriture et la composition avec Paul Le Flem qui lui fait découvrir, parmi d’autres compositeurs, Alban Berg, Arnold Schönberg, Béla Bartók à qui il dédiera sa première sonate pour piano et Edgar Varèse dont il sera le seul disciple et avec qui il prend des cours d’orchestration de 1930 à 1933. De cet enseignement, Jolivet dira : « Avant Varèse, j'écrivais avec des notes, après Varèse, je composais avec des sons ».

L’Exposition Coloniale de 1931 lui fait découvrir les cultures musicales extra européennes.

Les objets offerts par Edgar Varèse, qui inspirèrent « Mana » à Jolivet :

Beaujolais, un pantin en bois et laiton ;

L'Oiseau, œuvre de métal de Calder ;

La princesse de Bali, une poupée indonésienne ;

La chèvre, figurine en paille ;

La vache, œuvre en fil de fer de Calder ;

Pégase, cheval en raphia.

En 1935, il participe à la création de la société de concerts « La Spirale », dont la première séance lui permettra de créer sa suite pour piano « Mana », inspirée par 6 objets offerts par Varèse, puis en 1936 il fonde le groupe « Jeune-France » avec Jean-Yves Daniel-Lesur, Yves Baudrier et Olivier Messiaen.

Il est l’un des premiers compositeurs à écrire pour ondes Martenot avec ses « Trois Poèmes » créés en 1935 à la Radio Nationale par Maurice Martenot.

Pendant la guerre, il s’attache à composer une musique plus accessible au grand public, et d’esprit plus français, prenant pour référence Rameau et Debussy, telle que « Petite suite » pour flûte, alto et harpe, composée en 1941 ou la « Suite delphique » composée en 1942.

En 1943, il crée à l'Opéra de Paris le ballet « Guignol et Pandore » chorégraphié par Serge Lifar.

En 1945, il est nommé Directeur de la Musique à la Comédie-Française.

Pendant les années 1950-1960, il donne de nombreux concerts et conférences dans le monde entier. Son succès ne l’empêche pas de connaître l’un des scandales musicaux du 20ème siècle lors de la création de son « Concerto pour piano » en 1951.

En 1952 Lily Laskine crée le « Concerto pour harpe et orchestre de chambre » au festival de Donaueschingen.

En 1959 il est conseiller technique auprès d’André Malraux à la Direction Générale des Arts et des Lettres.

En 1966 il obtient le poste de professeur de composition au CNSM de Paris.

 

André Jolivet meurt à Paris 20 décembre 1974.

 

On trouvera la biographie complète d’André Jolivet ainsi que le catalogue de ses œuvres sur le site officiel : http://www.jolivet.asso.fr

 

Quelques œuvres d’André Jolivet

L’œuvre d’André Jolivet comprend de nombreuses œuvres de musique de chambre et d’instruments solos, 12 concertos pour neuf instruments différents (1948 à 1972), 3 symphonies (1953, 1959 et 1964), de la musique vocale ainsi que de la musique de scène.

L’essentiel en 4 CD

 

 

Musique de chambre :

Mana, suite pour piano (1935)

Trois Poèmes, pour Ondes Martenot et Piano (1935)

Sonate pour flûte et piano (1959)

 

Musique concertante :

Concerto pour Ondes Martenot (1947)

Concerto pour flûte (1949)

Concerto pour piano (1950)

Concerto pour harpe (1952)

Concerto pour basson (1954)

Concerto pour trompette (1954)

Concerto pour percussion (1958)

Concerto pour violoncelle n°2 (1966)

Concerto pour violon (1972)

 

Musique symphonique :

Cinq danses rituelles (1939)

Symphonies n°1 (1953), n°2 (1959), n°3 (1964),

 

Musique vocale :

Trois Chansons de Ménestrel (1943)

Épithalame (1953) pour orchestre vocal à 12 parties.

Madrigal (1963) pour 4 voix et 4 instruments.

 

 

 

 

 

Autres compositeurs français

 

Henri Dutilleux (1916-2013)

 

Henri Dutilleux est une des figures majeures de la musique française du 20ème  siècle.

Se situant à la suite du courant impressionniste, il assure la transition entre l’enrichissement harmonique du début du 20ème siècle de Debussy et Ravel, et la musique spectrale des années 1970 de Tristan Murail ou Gérard Grisey. Son langage oscille entre l'atonal et le modal.

Farouchement indépendant, il a écrit : « J’ai sans cesse évité d’adapter mon style à une forme préfabriquée ».

 

Henri Dutilleux nait le 22 janvier 1916 à Angers.

En 1933, il entre au Conservatoire de Paris, où il obtient 3 premiers prix d’harmonie, de contrepoint et de fugue.

En 1938, il obtient le grand prix de Rome, mais son séjour à la villa Médicis est interrompu par la guerre.

En 1942, il est nommé chef de chant de l’opéra de Paris puis, en 1945, directeur du Service des illustrations musicales à la Radiodiffusion Française, poste qu’il occupera jusqu’en 1963.

En 1948, Geneviève Joy, qu’il a épousé en 1946, crée sa Sonate pour piano à la Société nationale de musique (SNM).

En 1951, sa première symphonie est créée à la radio, dirigée par Roger Desormière.

En 1953, son ballet « Le loup » est créé par la compagnie Roland-Petit.

Henri Dutilleux et Geneviève Joy

En 1959, il se rend aux États-Unis pour assister à la création de sa Symphonie n°2 « Le Double », œuvre dans laquelle un groupe de chambre et un orchestre se répondent, comme dans un concerto.

En 1961, il est nommé professeur de composition à l’Ecole Normale de Musique, dont il deviendra le président en 1968.

En 1965, l'Orchestre de Cleveland crée « Métaboles », œuvre symphonique dont l’enregistrement permet à Dutilleux d’obtenir le Grand Prix du Président de la République.

En 1967, il obtient le Grand prix national de la musique pour l’ensemble de son œuvre.

En 1970, son concerto pour violoncelle et orchestre, « Tout un monde lointain », est créé par Rostropovitch et l’orchestre de Paris au festival d'Aix-en-Provence.

Dutilleux et Rostropovitch en 1978

Cette même année, il est nommé professeur de composition au Conservatoire de Paris, poste qu’il conservera jusqu’en 1984.

En 1977, son quatuor à cordes « Ainsi la nuit » est créé à Paris et bissé par un public où les jeunes compositeurs sont nombreux.

En 1978, « Timbres, espace, mouvement », composition symphonique sous-titrée « La Nuit étoilée » en référence au tableau de Van Gogh est créée par l’orchestre de Washington dirigé par Rostropovitch.

En 1985, Isaac Stern crée à Paris le concerto pour violon « l’Arbre des Songes ».


Le début du "Mystère de l'instant"

En 1989, « Mystère de l'instant » pour 24 cordes, cymbalum et percussions, commandé par Paul Sacher, est créé à Zurich.

En 1997, Seiji Ozawa crée à Boston « The Shadow of Time » qui est récompensé en 1998 par le « Royal Philharmonic Society Awards ».

En 2003, « Correspondances » pour voix et orchestre est créé par l’orchestre philharmonique de Berlin dirigé par Sir Simon Rattle.

En 2004, Henri Dutilleux reçoit la Grand-croix de la Légion d’Honneur, et en 2005, le prix Ernst von Siemens récompensant selon le jury « un des grands artistes de la musique française contemporaine dont la production organique se distingue par sa clarté poétique ».

 

Henri Dutilleux meurt le 22 mai 2013 à Paris.

 

Les plus belles œuvres d’Henri Dutilleux

Henri Dutilleux n’était pas un compositeur prolifique, il était perfectionniste et laissait du temps à chaque œuvre qu’il abordait.

 

 

Musique de chambre :

Sonatine pour flûte et piano (1943)

Au gré des ondes, pour piano (1946)

Sonate pour piano (1948)

Figures de résonance, pour 2 pianos (1976)

Strophes sur le nom de SACHER, pour violoncelle (1976)

Ainsi la nuit, pour quatuor à cordes (1977)

 

Musique concertante :

Tout un monde lointain, concerto pour violoncelle (1970)

L’Arbre des Songes, Concerto pour violon (1985)

 

Musique symphonique :

Symphonie n°1 (1951)

Le loup, musique de ballet (1953)

Symphonie n°2 « Le Double » (1959)

Métaboles (1965)

Timbres, espace, mouvement, « La Nuit étoilée » (1978)

Mystère de l’instant (1989)

The Shadow of time (1997)

 

Musique vocale :

Deux sonnets de Jean Cassou (1954)

Correspondances pour voix et orchestre (2003)

Le temps l’horloge  (2009)

 

 

On trouvera une biographie détaillée,

ainsi que le catalogue des œuvres d’Henri Dutilleux

sur le site :  joy-dutilleux.fr

et une analyse de l'oeuvre sur  :  Ressources-IRCAM.

Dutilleux en 7CD

 

 

 

Maurice Ohana (1913-1992)

 

La musique de Maurice Ohana s’inspire des traditions ibérique et nord-africaine, tout en utilisant des modes d'expression contemporains (micro-intervalles, électroacoustique).  

« Les grandes leçons de musique, ce ne sont pas les musiciens qui me les ont données. Je les ai reçues concrètement de la mer, du vent, de la pluie sur les arbres et de la lumière, ou encore de la contemplation de certains paysages que je recherche parce qu'ils ont l'air d'appartenir plus à la création du monde qu'à nos contrées civilisées. »   Maurice Ohana.

Biographie

 

Maurice Ohana est né le 12 juin 1913 à Casablanca (et non en 1914 comme il l’affirmait par superstition).

En 1932, il débute des études d’architecture (qu’il abandonnera quelques années plus tard) à Paris tout en étudiant le piano.

En 1937, il se forme au contrepoint avec Daniel-Lesur à la Schola Cantorum.

Après la guerre, sitôt démobilisé, il se fixe à Paris. C’est là qu’avec trois amis, en 1947, il fonde le Groupe « Zodiaque », qui se propose de défendre la liberté d'expression contre toutes les « tyrannies artistiques »,

En 1950, il s’initie à la musique concrète avec Pierre Schaeffer.

Cette même année, il crée l’une de ses œuvres majeures : « Llanto por Ignacio Sánchez Mejías », (Plainte pour Ignacio Sanchez Mejias), influencé à la fois par Manuel de Falla et le « cante jondo » espagnol.

Pendant les années 1950, il reste fidèle à la tradition espagnole et aux rythmes africains, notamment dans les « Cantigas » pour soli, chœur et instruments, sur un texte de poésie médiévale (1953-54), et les « Etudes chorégraphiques pour percussions » (1955) créées en 1963 par les Percussions de Strasbourg.

Il mène des recherches sur les micro-intervalles grâce auxquels il reconstitue les inflexions mélodiques du cante flamenco. En 1962, il utilise de manière systématique le tiers de ton dans le « Tombeau de Claude Debussy » pour soprano, cithare, piano et orchestre.


Rose des vents et de la pluie
extrait du "Tombeau de Claude Debussy"

En 1968, son expérience de la musique électroacoustique s’exprime dans « Cris » pour chœur a cappella.

Les années 1970 constituent une nouvelle étape dans son activité créatrice avec la composition d’œuvres majeures telles que les « Vingt-quatre Préludes » pour piano, écrits en hommage à Chopin, « L’Anneau du Tamarit » pour violoncelle et orchestre (1976), les « Lys de Madrigaux » pour voix de femmes et ensemble instrumental, la « Messe », créée au festival d'Avignon en 1977, le « Livre des Prodiges » (1978) ou les « Trois Contes de l'Honorable Fleur », opéra de chambre (1978).

Les années 1980 voient la création de son « Concerto pour piano », et surtout de son opéra « La Célestine », créé le 13 juin 1988 au Palais Garnier.

 

Maurice Ohana meurt le 13 novembre 1992 à Paris.

 

Les principales œuvres de Maurice Ohana

 

Musique de chambre :

Etudes chorégraphiques pour percussions (1955)

Signes  pour ensemble instrumental (1965)

Vingt-quatre Préludes pour piano (1973)

 

Musique concertante :

Trois graphiques, concerto pour guitare (1957)

L'Anneau du Tamarit, pour violoncelle et orchestre (1976)

Concerto pour piano et orchestre (1980)

 

Musique symphonique :

Livre des Prodiges (1978)

 

Musique vocale :

Llanto por Ignacio Sánchez Mejías

    (Plainte pour Ignacio Sanchez Mejias), oratorio. (1950)

Cantigas pour soli, chœur et instruments (1953-1954)

Tombeau de Debussy pour voix et orchestre (1962), extrait :

        6 : Rose des vents et de la pluie

Sibylle pour voix, percussions et bande (1968)

Lys de madrigaux pour voix de femmes et ensemble instrumental. (1976)

Messe (1977)

 

Opéras :

Syllabaire pour Phèdre opéra de chambre (1967)

Trois contes de l'honorable fleur, opéra de chambre (1978)

 

On trouvera biographie, discographie, bibliographie et le catalogue complet des œuvres de Maurice Ohana sur ce site : mauriceohana.com

 

 

 

Jacques Ibert (1890-1962)

 

Jacques Ibert est l’un des musiciens les plus indépendants de son temps. Il refuse toute appartenance à un groupe précis et se définit lui-même par ces quelques lignes : « Le mot système me fait horreur et je fais le pied de nez aux règles préconçues. Tous les systèmes sont bons pourvu qu’on y mette de la musique ».

 

Jacques Ibert est né le 15 août 1890 à Paris.

Il étudie au Conservatoire de Paris de 1910 à 1914.

Au début de la Grande guerre en 1914, il est réformé et s’engage néanmoins dans l’infanterie. Réformé à nouveau en 1916 suite à une paratyphoïde, il se rengage dans la Marine et est promu officier en1917.

Après la guerre, il se remet à la musique et obtient le Grand prix de Rome en 1919.

C’est pendant son séjour à la Villa Médicis qu’il compose en 1922 son œuvre la plus célèbre, la suite symphonique « Escales », souvenir d’une croisière en Méditerranée effectuée durant la guerre.

Il dirige l’Académie de France à Rome, c’est-à-dire la Villa Médicis, de 1937 à 1940, puis de 1944 à 1960.

En 1956, il est élu membre de l'Académie des beaux-arts.

Il meurt le 5 février 1962 à Paris.

 

« De tous nos compositeurs, Jacques Ibert est certainement le plus authentiquement français. Il est aussi le chef incontesté de notre école contemporaine... L’art de Jacques Ibert échappe à l’épreuve du temps car il est, avant toute chose, essentiellement classique de forme. Mais quelle imagination dans l’ordre, quelle fantaisie dans l’équilibre, quelle sensibilité dans la pudeur... » (Henri Dutilleux, aux Jeunesses Musicales de France le 15 février 1945).

 

On trouvera une biographie plus détaillée chez musimem.com.

 

Les principales œuvres de Jacques Ibert

L’œuvre de Jacques Ibert est abondante et couvre tous les genres, y compris la musique de film.

 

Escales, triptyque symphonique (1922)

Divertissement, pour orchestre de chambre (1930)

Symphonie marine (1931)

Concerto pour flûte et orchestre (1934)

Concertino da Camera pour saxophone alto et onze instruments (1936)

Ouverture de fêtes pour orchestre (1940)

L’essentiel en 2 CD

 

Parmi ses œuvres majeures, notons également : « Paris » pour orchestre, un Concerto pour violoncelle et instruments à vent, un Trio pour violon, violoncelle et harpe, deux Ballets, « Diane de Poitiers » et « Le Chevalier errant », sept Opéras, des Mélodies, dont les « Chansons de Don Quichotte » pour baryton, et plusieurs musiques de film

 

On en trouvera une liste non exhaustive sur Wikipedia, et un catalogue complet sur le site officiel :  jacquesibert.fr

 

 

 

Jean Françaix (1912-1997)

 

Jean Françaix est né au Mans, le 23 mai 1912, d’un père pianiste, compositeur et directeur du Conservatoire au Mans et d’une mère professeur de chant.

A 18 ans il obtient un premier prix de piano au Conservatoire National Supérieur de Paris.

Il rencontre son premier succès avec son "Concertino pour piano et orchestre" en 1932.

Sa musique, qui s’inscrit dans la lignée de Poulenc et de Chabrier, couvre tous les genres. Il a écrit en particulier des concertos pour presque tous les instruments de l’orchestre, ainsi que de la musique de film dont « Si Versailles m’était conté » de Sacha Guitry.

 

Jean Françaix meurt à Paris le 25 septembre 1997, à l'âge de 85 ans.

 

Quelques œuvres de Jean Françaix

Concertino pour piano et orchestre (1932)

Trio à cordes (1933)

Petit Quatuor pour saxophones (1935)

 « Apocalypse selon Saint Jean » (1942)

L’horloge de Flore, pour hautbois et orchestre (1959)

Concerto pour clarinette (1967)

Tema con variazioni pour clarinette et piano (1974)

Françaix en 3 CD

 

On trouvera la liste de ses œuvres et de nombreux extraits musicaux dans le catalogue du site officiel : jeanfrancaix.com.

 

 

 

Charles Chaynes (1925-2016)

 

Charles Chaynes est né le 11 juillet 1925 à Toulouse.

Après des premières études musicales dans sa ville natale et une première composition à 15 ans, il entre au Conservatoire National de Paris où il obtient différents prix (violon, composition, harmonie et fugue).

Il obtient le Prix de Rome en 1951, un an après être arrivé en seconde position.

En 1965, il prend la direction de France Musique pendant 10 ans puis dirige le service de la création musicale à Radio France jusqu’en 1990.

De 1982 à 2007, il écrit cinq opéras, dont deux sont récompensés du grand prix de l'Académie du disque Charles Cros (« Erzebet » et « Noces de sang »).

En 2005, il est élu à l’Académie des Beaux-Arts.

Charles Chaynes meurt le 24 juin 2016.

 

Quelques œuvres de Charles Chaynes

Outre ses 5 opéras, Charles Chaynes a composé une centaine d'œuvres dont :

 

Concerto pour trompette (1956)

Concerto pour piano (1961)

Concerto pour orgue (1966)

Visions concertantes pour guitare et 12 cordes (1976)

Erzsebet, « opéra pour une femme seule » (1982)

 

 On trouvera une liste de ses œuvres sur le site musimem.com.

 

 

 

Iannis Xenakis (1922-2001)

 

Iannis Xenakis est un compositeur, mathématicien et architecte d’origine grecque né le 29 mai 1922 à Braïla en Roumanie, naturalisé français en mai 1965. Il passa une grande partie de sa vie à Paris où il mourut le 4 février 2001. Il est reconnu comme l’un des compositeurs les plus importants de la musique du 20ème siècle.

En 1947, début de la guerre civile en Grèce, il entre dans la clandestinité puis fuit la Grèce. Il s’installe en France, où il travaille pendant douze ans avec Le Corbusier, en tant qu’ingénieur, puis en tant qu’architecte.

Après avoir suivi l’enseignement d’Olivier Messiaen et essayé de créer, après Bartok, une musique d’avant-garde basée sur la musique populaire, il décide d’emprunter un nouveau chemin faisant référence aux mathématiques, utilisant les probabilités, la théorie des ensembles et la théorie des jeux. Il fait alors scandale avec « Metastasis » (1954), première musique entièrement déduite de règles et de procédures mathématiques, qui commence par des « glissandi » aux cordes, évoluant vers une plus grande masse sonore, et « Pithoprakta » (1956) qui utilise le calcul des probabilités.

Il réalise également des « Polytopes », créations spatiales mêlant le son, la lumière, la couleur et l'architecture qui marqueront son époque : « Polytope de Montréal » (1967), « Hibiki Hana Ma » (1969), « Persépolis polytope » (1971), le « Polytope de Cluny » (1972) et le Diatope  (1977).

En 1956, il crée sa théorie de la musique stochastique, basée sur les probabilités mathématiques, dont la première application électronique sera sa composition les « Diamorphoses », réalisée au GRM en 1957.

Le pavillon Philips à Bruxelles en 1958.

En 1958, il conçoit la structure parabolique du Pavillon Philips de l’Exposition universelle de Bruxelles, dans lequel seront diffusés le « Poème électronique » de Varèse et son œuvre « Concret PH » (PH pour Parabole-Hyperbole), composée au studio de recherche électroacoustique de Pierre Schaeffer.

Dans les années 1960, il sera le premier compositeur à utiliser l’ordinateur comme aide à la composition, en particulier pour « Nomos Alpha » en 1966.

En 1963, il publie « Musiques formelles » où il définit le concept de musique stochastique, et décrit les techniques utilisées dans plusieurs de ses propres compositions.

En mai 1965, il obtient la nationalité française grâce à l’aide de Georges Pompidou et de Georges Auric.

 

Rebonds B, pour percussion.

En 1966, il fonde son centre de recherche, le CEMAMu (Centre d’Études de Mathématique et Automatique Musicales), qui deviendra en 2000 le CCMIX (Centre de Création Musicale Iannis Xenakis). Il y fait construire, en 1977, le premier synthétiseur à commande graphique, l’UPIC (Unité Polyagogique Informatique), qui permet de convertir un dessin en ondes sonores. Il l’utilise pour composer « Mycènes alpha » en 1978.

L’essentiel en 4 CD

En 1982, il est fait Chevalier de la Légion d’Honneur.

Sa dernière œuvre, composée en 1997, a pour titre la dernière lettre de l’alphabet grec « O-Mega ».

 

On trouvera une biographie détaillée sur musicologie, une chronologie sur iannis-xenakis.org et le catalogue et l’analyse des œuvres sur  Ressources -IRCAM.   

 

 

Les principales œuvres de Ianis Xenakis

 

Musique pour instrument soliste

Nomos Alpha pour violoncelle (1965-1966)

Rebonds pour percussion (1987-1988)

 

Musique instrumentale

Metastasis  pour 60 musiciens (1953)

Pléiades pour six percussionnistes (1978-1979)

 

Musique vocale

Nuits, pour chœur mixte a cappella (1967)

Aïs, pour baryton amplifié, percussion et orchestre (1981)

 

Musique électroacoustique

Diamorphoses pour sons enregistrés (1957)

Concret PH pour bande seule (1958)

Orient-Occident musique de film (1960)

 

Musique concertante

Erikhthon pour piano et 88 musiciens (1974)

O-Mega   pour percussion et ensemble (1997)

 

Polytopes

Hibiki Hana Ma pour bande magnétique (1969)

Polytope de Cluny pour bande magnétique sept pistes et lumières (1972)

La Légende d'Eer musique pour le Diatope (1977)

Polytope Mycènes alpha  (1978)

 

 

 

 

 

 

Autres compositeurs français du 20ème siècle

 

Pierre Boulez (1925-2016)

 

Pierre Boulez n’est pas oublié bien sûr !  Mais il a préféré succéder à Webern plutôt qu’à Debussy, c’est pourquoi nous le retrouverons dans le cadre de l’Ecole de Darmstadt.

 

 

 

 

Henri Tomasi (1901-1971)

Henri Tomasi est né le 17 août 1901 à Marseille de parents corses et mort à Paris le 13 janvier 1971.

En 1932, il adhère au groupe de musiciens modernistes « Triton » comprenant entre autres Serge Prokofiev, Darius Milhaud, Arthur Honegger et Francis Poulenc.

Parallèlement à sa carrière de compositeur, il mène une brillante carrière de chef d'orchestre, qu'il abandonne vers 1955 pour se consacrer totalement à la composition.

Au début des années 1940, une crise spirituelle lui fait faire de longues retraites au couvent dominicain de la Sainte-Baume où il compose ses plus beaux chefs-d’œuvre dont l'opéra « Don Juan de Mañara » et le « Requiem pour la paix ».

Ses œuvres les plus connues sont : l'opéra « Don Juan de Mañara » (1944), le « Requiem pour la paix  (1945), les « Fanfares liturgiques » (1947), le Concerto pour trompette (1948), le Concerto pour saxophone (1949), le Concerto pour trombone (1957), Le silence de la mer (opéra, 1959), la Symphonie du tiers-monde (1967).

 

On trouvera une biographie détaillée sur le site officiel de l’association Henri Tomasi.

 

 

 

Jean-Louis Florentz (1947-2004)

Après des études universitaires en Sciences naturelles, Arabe littéraire et Ethnomusicologie, Jean-Louis Florentz entre au Conservatoire de Paris dans les classes d'Olivier Messiaen et de Pierre Schaeffer.


Les jardins d'Amenta

Il obtient en 1978 le prix de composition Lili Boulanger et séjourne à la Villa Médicis jusqu’en 1981.

Il fait de nombreux voyages d’études en Afrique du Nord, au Niger et en Côte d'Ivoire entre 1971 et 1979, au Kenya entre 1981 et 1986, en Israël, Martinique, Polynésie, Afrique du Nord, Egypte … de 1982 à 1997.

Inspirée par ses nombreux voyages, son œuvre, d'une quinzaine d'opus, se place dans la mouvance d’Henri Dutilleux.

Pour en savoir plus : Association Jean-Louis Florentz.

 

 

 

Joseph Canteloube (1879-1957)

Pianiste, compositeur et musicologue, Joseph Canteloube est surtout connu pour ses « Chants d'Auvergne », recueil de chants traditionnels auvergnats harmonisés pour voix et orchestre.

En 1951, il publie les autres airs traditionnels français qu'il avait collectés dans son « Anthologie des Chants Populaires Français », en 4 volumes.

 

 

 

Ivan Wyschnegradsky (1893-1979)

Musicien français d’origine russe, Ivan Wyschnegradsky est un pionnier de l’ultrachromatisme et de la musique microtonale.

En 1916, influencé par Scriabine, il compose La Journée de l'existence, pour récitant, grand orchestre et chœur mixte ad libitum.

Il participe à la conception de pianos en ¼ de ton et écrit des œuvres pour divers instruments en ¼ de ton, 1/3 de ton, 1/6 de ton … telles que « 24 préludes en quart de ton », ou « Arc-en-ciel » pour 6 pianos en 12e de ton.

 

 

 

Maurice Duruflé (1902-1986)

Organiste et compositeur, Maurice Duruflé a mis son art principalement au service de la musique d'église (orgue et chœur), mais aussi de la musique symphonique et du piano.

En 1947, il publie son œuvre la plus réputée, le Requiem Op. 9, pour chœur, solistes, orchestre et orgue, dont il fera ensuite une version pour orchestre seul et une version pour orgue seul.

 

 

 

Jean Barraqué (1928-1973)

Jean Barraqué a particulièrement contribué à l’évolution de la musique sérielle.

En 1949, il fait la connaissance de Pierre Boulez et de John Cage.

Entre 1951 et 1954, il participe aux travaux du Groupe de recherches musicales (GRM), fondé par Pierre Schaeffer.

Ses principales œuvres sont « Sonate » pour piano (1950), « Séquence » (1955) pour voix, batterie et divers instruments, « Le temps restitué » (1968) pour soprano, chœur et orchestre « Concerto » (1968), pour six formations instrumentales et deux instruments solistes (vibraphone et clarinette)

 

 

 

Luc Ferrari (1929-2005)

Élève d'Alfred Cortot, Arthur Honegger et Olivier Messiaen, Luc Ferrari collabore avec le Groupe de recherches musicales (GRM) dès 1958 et y compose jusqu’en 1966. Il participe à la réalisation d’émissions de radio et de télévision sur la musique concrète et le son.

Ses œuvres sont en grande majorité des compositions électroacoustiques ou mixtes, dont :

« Hétérozygote » (1964) pour bande magnétique, « Music Promenade » (1969) pour bande magnétique, « A la Recherche du Rythme perdu » (1978) pour piano, percussion et bande électronique, «  Histoire du plaisir et de la désolation » (1982) pour orchestre.

 

 

Citons aussi André Caplet (1878-1925), Jean Cras (1879-1932), Melanie Bonis (1858-1937), Reynaldo Hahn (1874-1947), Paul Le Flem (1881-1984), Georges Migot (1891-1976), Igor Markevitch (1912-1983), Alexandre Tansman (1897-1986), Claude Arrieu (1903-1990), Jean Langlais (1907-1991), Henry Barraud (1900-1997), Manuel Rosenthal (1904-2003), Claude Ballif (1924-2004), Marius Constant (1925-2004).

 

 

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Voir aussi une histoire de la musique française sur physinfo.org

 

 

 

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